Qu’est-ce qu’une trilogie ?

Le mot trilogie vient du grec tri (« trois ») et logos (« parole », « récit »). La définition est donc claire : une trilogie est une œuvre en trois parties. Il peut s’agir d’une série de trois livres ou de trois films qui se suivent. Il existe aussi le terme « duologie » pour désigner une œuvre en deux parties.

Une trilogie raconte généralement une seule histoire complète répartie sur trois livres. Les trois volumes forment un tout et il convient de les lire tous dans l’ordre.

Au-delà de trois tomes, on peut parler de saga littéraire. Quoi qu’il en soit, là encore, les tomes suivants le tome 1 racontent la suite de l’histoire du héros ou de l’héroïne.

Lorsqu’on parle d’une série de livres, la définition est plus large, car le nombre de tomes n’est pas limité. Autre différence : les différents volumes sont indépendants les uns des autres et partagent uniquement le même univers ainsi que les personnages. Les intrigues en revanche sont autonomes et les livres peuvent être lus indépendamment.

Pourquoi écrire une trilogie ?

Une trilogie vous offre de nombreux avantages en tant qu’auteur·rice.

Votre histoire complexe est moins limitée en longueur, puisque vous pouvez vous étaler sur plusieurs tomes. Cela vous permet de développer suffisamment votre univers, avec ses règles, son histoire et ses enjeux.

Vous pouvez aussi fidéliser vos lecteurs et lectrices sur la durée. Si le premier tome les captive, beaucoup auront envie de lire les deux suivants.

Une trilogie vous facilite la tâche côté marketing : parler de chaque tome fera la promotion des deux autres. Sur les réseaux sociaux, vous pouvez susciter la curiosité : que va-t-il arriver aux personnages après la fin du tome 1 ? Avec le temps, vous pouvez créer une véritable communauté de fans de vos héros et de votre univers.

Autre avantage : la création des personnages, des mondes imaginaires et de votre style d’écriture demande beaucoup d’énergie au début. Dans une trilogie, vous effectuez ce travail une seule fois. Ensuite, vous réutilisez ces bases dans les tomes suivants. Il vous reste surtout à inventer de nouvelles intrigues et de nouveaux rebondissements.

Comment écrire une trilogie ou une série ?

Tout commence par une idée : le cadre, l’époque, les personnages principaux et leurs conflits. C’est le point de départ de votre projet. À ce stade, peu importe encore le nombre de livres.

Ensuite, il devient important de savoir si vous écrivez une trilogie ou une série.

Écrire une trilogie

Si vous savez que votre histoire comptera trois tomes, définissez d’abord la trame globale :

• Quel est le cœur de l’histoire ?
• Quel est le conflit principal ?
• Comment l’histoire se termine-t-elle ?
• Quelle évolution traversent les personnages majeurs ?

Pensez votre intrigue sur deux niveaux :

• Un arc général qui couvre les trois tomes.
• Un arc propre à chaque livre.

Chaque tome doit fonctionner comme une histoire à part entière. Vous pouvez terminer sur un suspense qui donne envie de lire la suite. Mais les personnages doivent évoluer dans chaque volume, et la tension doit avoir sa propre progression.

Imaginez que chaque tome possède sa propre mini fin, tandis que le véritable dénouement arrive dans le troisième livre.

Les cliffhangers sont possibles à la fin des tomes 1 et 2. Évitez toutefois de laisser en suspens des questions trop frustrantes, surtout si les suites ne sont pas encore écrites (et seront donc publiées beaucoup plus tard).

Enfin, gardez une place pour la créativité. Un plan est utile, mais certaines idées naissent pendant l’écriture. Vos personnages peuvent vous surprendre.

Écrire une série de livres

Si vos tomes sont indépendants, vous n’avez pas forcément besoin de décider dès le départ qu’il s’agit d’une série. Vous pouvez écrire un premier livre, puis imaginer plus tard d’autres aventures dans le même univers ou avec les mêmes personnages.

En romance, par exemple, vous pouvez envisager d’écrire un spin-off (œuvre ou série dérivée) avec vos personnages secondaires. Dans d’autres genres comme le polar et ses sous-genres comme le cosy mystery, il est fréquent que paraissent des séries centrées sur un·e enquêteur·rice (le personnage principal). Chaque tome porte alors sur une nouvelle enquête.

Dans ce cas, même si les tomes peuvent se faire écho en évoquant certains détails des uns et des autres, les lecteur·rice·s doivent pouvoir facilement comprendre l’histoire sans avoir lu les volumes précédents.

Si besoin, au début de chaque livre, rappelez brièvement le contexte et les personnages. Ne partez pas du principe que tous les lecteur·rice·s connaissent déjà la série.

Nos conseils pour réussir votre trilogie

• Écrivez les tomes 1 et 2 avant de publier le tome 1, idéalement. Vous pourrez ainsi proposer rapidement une suite et éviter de frustrer vos lecteur·rice·s.
• Restez fidèle à votre style. Vos personnages évoluent et vous aussi. En tant qu’auteur·rice, vous progressez au fil de votre écriture, mais veillez toutefois à garder l’identité de votre série et à la cohérence de l’ensemble.
• Notez tous les détails pour éviter les incohérences dans votre trilogie. Utilisez pour cela unlogiciel d’écriture ou un tableau.
• Échangez avec vos lecteur·rice·s. Leurs retours peuvent vous donner des idées pour les tomes suivants.
• Assurez-vous d’aimer vraiment cet univers avant de vous lancer. Car vous allez y passer beaucoup de temps !
• N’annoncez une trilogie que si vous êtes certain·e de réussir à la terminer. Les lecteur·rice·s sont déçu·e·s lorsqu’une série reste inachevée.

Les erreurs fréquentes (et comment les éviter)

Publier le tome 1 trop tôt

Si vous n’avez aucune idée claire du tome 2, vous risquez de vous retrouver sous pression pour écrire la suite !

Ajouter trop de nouveaux personnages

Les lecteur·rice·s souhaitent lire la suite avant tout pour retrouver les personnages qu’ils/elles aiment déjà.

Faire du tome 2 un simple remplissage

Parfois, il arrive que les auteur·rice·s de trilogie misent tout sur le premier tome (qui présente l’univers) et sur le troisième (et sa fin spectaculaire). Malheureusement, le deuxième tome est alors un peu moins palpitant, l’histoire s’essouffle.

Veillez à construire une intrigue propre à chaque tome, en plus de celle qui court sur les trois tomes. Le deuxième tome doit donc lui aussi avoir sa propre force dramatique. Sinon, vous risquez de perdre des lecteur·rice·s en chemin.

Faire durer une histoire qui pourrait tenir en un seul livre

Vous l’aurez compris : écrire une trilogie, ce n’est pas écrire une histoire tellement longue qu’elle ne tient pas en un seul livre. C’est surtout écrire une histoire complexe avec des sous-intrigues (intrigues secondaires), pour laquelle une structuration en trois parties est adaptée et pertinente.

L’histoire est terminée lorsque tous les conflits sont résolus et que les personnages ont achevé leur évolution. Si c’est déjà le cas à la fin de votre tome 1, une suite n’est pas forcément nécessaire. Après tout, il existe certains romans très longs, de plus de 600 pages ! La bonne longueur d’un roman est surtout celle qui correspond à son genre littéraire, mais aussi celle qui est pertinente pour ce que vous avez à raconter.

Si malgré tout, votre histoire est beaucoup trop longue pour tenir en un seul livre, c’est peut-être que vous êtes un·e overwriter. Autrement dit, un·e auteur·rice un peu trop bavard·e ! Il vous faudra alors probablement relire votre manuscrit pour effectuer des coupes de passages et scènes qui ne sont pas utiles pour faire avancer votre histoire.

Quel est le bon rythme de publication ?

Si vous publiez en auto-édition, plusieurs stratégies sont possibles.

Une option efficace consiste à publier les tomes 1 et 2 à trois ou six mois d’intervalle. Les lecteur·rices restent engagé·e·s et l’élan de la série se maintient. Le tome 3 peut suivre six à douze mois plus tard.

Autre possibilité : publier les trois tomes rapidement, à condition qu’ils soient déjà écrits. Cette stratégie peut créer un véritable effet d’événement. Mais il faudra pour cela commencer la promotion bien avant la sortie de la trilogie, afin de d’assurer le succès de son lancement.

Réussir la promotion d’une trilogie

Commencez tôt à construire une communauté de lecteurs et lectrices, par exemple grâce aux réseaux sociaux ou à une newsletter.

Partagez votre processus d’écriture, présentez les personnages, proposez du contenu bonus et pourquoi pas, vendez des goodies et produits dérivés en plus de vos livres. Faites de vos lecteur·rice·s de véritables fans votre univers !

Soignez aussi l’identité visuelle de la série : couvertures cohérentes, titres harmonisés, même style graphique. Les lecteur·rice·s reconnaîtront immédiatement les livres qui appartiennent à la même trilogie.

Enfin, utilisez chaque tome pour promouvoir le suivant. Ajouter un extrait du prochain livre à la fin du volume actuel fonctionne très bien !

Trilogie, série ou livre unique (« one shot ») : que choisir ?

La trilogie vous convient si…

• Votre histoire est suffisamment riche et complexe pour s’étendre sur plusieurs tomes.
• Vous créez un univers dans lequel les lecteur·rice·s veulent revenir.
• Les conflits se répartissent naturellement en trois parties.
• Vous aimez travailler longtemps sur le même projet.

La série vous convient si…

• Vous avez une histoire riche en personnages et en aventures possibles.
• Vous aimez développer régulièrement de nouvelles idées dans le même univers.
• Vous écrivez dans un genre où les séries sont courantes, comme le polar, le thriller ou la romance.

Le one shot vous convient si…

• Votre histoire tient en un volume.
• Le conflit principal peut être résolu dans un seul arc narratif.
• L’évolution des personnages est complète sans suite.

Conclusion

En résumé, le choix dépend surtout de l’ampleur de votre histoire et de votre motivation à travailler longtemps sur le même univers.

Une trilogie permet de créer un univers riche et de fidéliser fortement les lecteur·rice·s. Si vous préférez explorer sans cesse de nouvelles idées et expérimenter différents styles, les romans indépendants seront sans doute plus adaptés.

Dans les deux cas, l’objectif reste le même : captiver vos lecteur·rice·s et leur donner envie de revenir à vos livres.

Qu’est-ce que l’écriture créative ?

L’écriture créative fait travailler à la fois son imagination et son expression littéraire. Elle vise à produire des textes courts pour le plaisir de jouer avec les mots, parfois d’après une consigne ou une contrainte qui stimule la créativité. L’écriture créative peut se pratiquer seul·e chez soi ou bien lors d’ateliers d’écriture, en groupe.

Elle provient de l’anglais creative writing, qui est alors une discipline enseignée à l’université. On la présente comme une méthode d’écriture pour maîtriser les différents genres littéraires, en analysant des textes d’auteur·rice·s publié·e·s.

En France, où les formations en écriture se démocratisent depuis quelques années, on utilise plutôt dans ce contexte le terme de « création littéraire ». Les masters en creative writing anglosaxons ont maintenant leur équivalent dans l’Hexagone, souvent sous le nom de masters en création littéraire.

Si le but de l’écriture créative n’est souvent pas l’écriture d’un roman, son objectif reste le même : écrire une histoire, exprimer des idées et des émotions ou créer des personnages marquants.

Que sont les writing prompts et contraintes créatives ?

Côté anglophone, la creative writing est associée aux writing prompts, ces petits thèmes déclencheurs d’inspiration. Souvent, ils proposent une phrase, un début d’histoire, des idées à développer qui invitent à écrire.

Côté francophone, les ateliers d’écriture créative vont souvent encore plus loin en proposant également des contraintes créatives, autrement dit des consignes d’écriture. Il ne s’agit alors plus du fond (de l’intrigue et de l’idée de l’histoire) mais plutôt de la forme (le style et le jeu avec les mots).

Voici quelques contraintes et consignes fréquentes lors d’ateliers d’écriture créative :

• utiliser une liste de mots imposés,
• écrire du point de vue d’un objet ou d’un animal,
• commencer ou finir le texte par une phrase imposée,
• imiter le style d’un·e auteur·rice ou la structure d’un texte pris comme exemple,
• écrire une histoire sous une forme originale : liste de courses, interrogatoire de police, article de journal…

C’est un aspect culturel qu’on doit certainement à l’Oulipo (OUvroir de LIttérature POtentielle), un groupe d’auteur·rice·s français·es d’expérimentation et de recherche littéraire, créé en 1960 par Raymond Queneau. L’Oulipo a créé une véritable liste de contraintes créatives jouant sur les mots, les lettres, les définitions ou encore les règles de la poésie.

Une des plus connues est le lipogramme (figure de style consistant à produire un texte en excluant une lettre de l’alphabet) qui a donné naissance au fameux roman La Disparition de Georges Perec, qui ne contient aucune lettre E.

Au premier abord, on peut considérer la contrainte comme restrictive, mais bien souvent, au contraire, elle inspire et éloigne le syndrome de la page blanche. Elle agit comme un véritable déclencheur d’inspiration en donnant un chemin à suivre, laissant pourtant la place à l’imagination.

Votre créativité n’est pas bridée, car vous restez libre de faire vos propres choix. Aussi bien en termes de perspective narrative, de ton, de style… Et elle vous permet aussi bien d’inventer des fictions que d’écrire des textes plus personnels. L’écriture créative vous permet d’explorer ce qui vous correspond et ce qui vous touche le plus.

À qui s’adresse l’écriture créative ?

Tout le monde peut pratiquer l’écriture créative, sans aucun prérequis, que ce soit par loisir ou dans le but d’améliorer ses talents d’auteur·rice.

Voici quelques exemples de personnes qui utilisent l’écriture créative :

• Les auteur·rice·s et passionné·e·s des mots : L’écriture créative est souvent un premier pas dans l’écriture, avant d’écrire un roman ou de publier de la poésie.
• Les artistes et esprits créatifs : L’écriture créative stimule l’imagination et peut nourrir d’autres arts. C’est pourquoi certains peintres ou artistes visuels y ont recours.
• Les élèves et les étudiant·e·s : Au début d’un parcours personnel ou professionnel, l’écriture créative permet de développer ses compétences, d’exprimer ses idées et de s’entraîner à écrire.
• Les personnes en quête de développement personnel : Le journaling, ou écriture d’un journal (journal intime, art journal, bullet journal, carnet de voyage…) utilise l’écriture créative pour exprimer pensées et émotions. Cette pratique aide souvent à y voir plus clair dans ses pensées, émotions et développer sa créativité. C’est aussi un très bon moyen de réduire stress et anxiété : mettre ses pensées en mots peut être très libérateur et l’écriture créative est ainsi un excellent exutoire.
• Les professionnel·le·s de la publicité et du marketing : Pour vendre des produits, il faut de bons textes. Dans le secteur du copywriting, la capacité à écrire de façon créative peut faire toute la différence.

Comme vous pouvez le constater, l’écriture créative s’adresse à tout le monde. Et si vous rêvez d’écrire votre propre livre, vous avez peut-être déjà trouvé votre passion !

Comment pratiquer l’écriture créative ?

Certaines personnes aiment écrire depuis toujours et possèdent un talent naturel. D’autres s’y intéressent mais ont besoin d’être accompagnées dans la pratique de l’écriture. Quoi qu’il en soit, l’écriture peut s’apprendre et le secret d’un bon style réside surtout dans la pratique régulière, qui permet de se perfectionner.

Les conseils suivants s’appliquent à toutes les personnes souhaitant pratiquer l’écriture créative, quel que soit leur niveau d’expérience.

Écrivez régulièrement

Essayez d’instaurer une routine d’écriture, autrement dit de vous créer des habitudes d’écriture. Pouvez-vous écrire quelques minutes chaque jour ou bien accorder un moment à l’écriture créative chaque semaine ?

Même de courtes séances vous aideront à trouver votre rythme et à surmonter le syndrome de la page blanche. Beaucoup de personnes ont du mal à commencer. Avec la pratique, cela devient plus facile.

Le journaling peut également être utile. Laissez simplement vos pensées s’exprimer librement. Cette approche favorise l’écriture spontanée et vous aide à trouver votre propre style.

Lisez pour progresser

Plus vous lisez, plus vous trouverez d’inspiration pour vos propres textes.

Les œuvres d’autres auteur·rice·s vous permettront d’identifier les styles et les procédés narratifs et autres techniques d’écriture que vous appréciez. Vous pourrez ensuite les expérimenter dans vos propres écrits.

Variez vos lectures : littérature classique, romans contemporains, poésie… Cette diversité élargira votre horizon et nourrira votre créativité.

Participez à des ateliers d’écriture

De nombreuses personnes maîtrisent déjà l’art d’écrire et animent des cours et ateliers. Profitez de leur expérience.

Vous pouvez suivre des cours d’écriture créative, participer à des ateliers ou stages d’écriture et échanger avec d’autres écrivains et écrivaines et l’animateur·rice. Chacun y gagne. Vous pourrez même y construire un réseau qui vous accompagnera dans votre parcours d’auteur·rice. Si aucun atelier d’écriture n’existe à proximité, pourquoi ne pas vous constituer un groupe d’écriture en ligne ? Il existe aussi pour cela des live sur Instagram et sur Twich avec d’autres passionné·e·s d’écriture. Le principe est le même que celui du coworking : chacun·e avance sur ses projets en profitant d’une ambiance studieuse.

Faites des exercices d’écriture créative

C’est en pratiquant que l’on progresse réellement.

Pour cela, multipliez les exercices et les consignes variées. Par exemple : « Décrivez une douce nuit de printemps au cœur de la ville. »

Vous pouvez aussi créer vos propres défis. Un jour, écrivez un dialogue. Le lendemain, racontez une histoire en changeant de point de vue narratif.

Plus vous faites de jeux d’écriture, plus votre maîtrise de l’écriture se développe. Vous en trouverez si besoin sur Internet ou sur les réseaux sociaux, notamment sur les comptes Instagram de BoD et WriteControl.

Participer à des concours de nouvelles et appels à textes est également très formateur. Un thème, une longueur ainsi qu’une date limite vous sont souvent imposés, stimulent votre créativité et vous poussent à dépasser vos limites.

À lire aussi : Concours d’écriture et appels à textes gratuits 2026

Apprenez les techniques d’écriture

L’écriture créative ne repose pas uniquement sur l’intuition. Elle comporte aussi des aspects techniques que vous pouvez apprendre, notamment dans des livres de narratologie ou bien des formations et autres cours.

L’un des principes les plus connus est : « Show, don’t tell » (« Montrez, ne racontez pas »). Au lieu d’affirmer qu’un personnage ressent une émotion, faites-la apparaître à travers ses actions, ses réactions ou son environnement.

Il est également utile d’apprendre comment fonctionne une histoire, comprendre les structures narratives comme le Voyage du héros, et autres mécanismes d’écriture.

Soyez patient·e

Vous avez l’impression de stagner ? Vous voyez d’autres personnes progresser plus vite ou rencontrer davantage de succès ? Accordez-vous du temps !

Si vous écrivez régulièrement et continuez à vous exercer, les progrès viendront naturellement. Et vous serez bientôt prêt·e à écrire votre premier roman.

Ce qui favorise l’écriture créative

Écrire dans une rame de métro bondée ou à une table de cuisine encombrée peut fonctionner pour certains auteur·rice·s. Mais ces conditions ne sont pas idéales pour tout le monde.

Votre environnement influence votre capacité à entrer dans un état de concentration et à produire de bons textes. Les besoins varient d’une personne à l’autre, mais les conseils suivants peuvent vous aider.

Créez un environnement stimulant

Dans quel lieu vous sentez-vous bien et peu distrait·e ? Où parvenez-vous à oublier vos tâches quotidiennes pour vous plonger dans votre texte ?

Certaines personnes préfèrent un bureau rangé avec vue sur la nature. D’autres aiment écrire dans un café animé et inspirant. Testez différentes options et trouvez celle qui vous convient.

Utilisez la musique comme source d’inspiration

De nombreux·ses auteur·rice·s écoutent de la musique en écrivant. Musique douce ou au contraire énergique, sons d’ambiance… c’est à vous de voir. De préférence, choisissez un style de musique en accord avec l’ambiance de votre histoire, et sans paroles pour ne pas vous laisser distraire.

D’autres encore préfèrent le silence total, parfois avec un casque à réduction de bruit pour conserver une concentration optimale.

Mettez-vous dans de bonnes conditions pour écrire

Êtes-vous plus à l’aise pour écrire sur un carnet ou bien sur votre ordinateur ? Y a-t-il une police de caractères qui vous convient mieux qu’une autre ?

Grand écran, chaise de bureau confortable et clavier ergonomique peuvent faire la différence en vous apportant plus de confort pour vos séances d’écriture. Vous pouvez aussi opter pour un logiciel d’écriture comme WriteControl pour sauvegarder en ligne vos textes et vos notes au même endroit.

Créez un environnement de travail qui vous soutient et facilite votre créativité.

Trouvez votre propre méthode d’écriture créative

À première vue, l’écriture créative peut sembler être un processus spontané et parfois chaotique. Pourtant, vous avez pu constater que ce n’est pas le cas. Plus votre approche est structurée, plus vous augmentez vos chances de progresser.

Identifiez donc l’environnement dans lequel vous écrivez le mieux. Mettez ensuite en place votre propre routine. Combinez écriture libre, exercices ciblés et déclencheurs d’inspiration.

Vous développerez ainsi rapidement vos compétences et pourrez mettre votre créativité au service de projets passionnants.

Quelques livres en lien avec l’écriture créative

Plus de conseils pour écrire et publier un livre

BoD vous accompagne étape par étape dans la réalisation de votre projet de livre. Nous mettons à votre disposition tout notre savoir-faire afin que vous soyez pleinement satisfait·e du résultat.

Le style d’écriture : un moyen de se démarquer

Un photographe évolue dans son métier en améliorant progressivement son style. Il travaille sur les angles de prise de vue. Il affine son observation de la lumière ambiante. Il retouche ses photos en suivant son intuition et son message artistique.

Petit à petit, des choix s’opèrent dans l’objectif d’affirmer son style. On distingue assez facilement un photographe qui préfère réaliser des clichés vintage d’un autre qui choisit de se spécialiser dans la photographie bohème.

Pour l’écrivain, c’est pareil. De la même manière que le photographe, c’est en pratiquant que son style progressera. Ainsi, vous aurez plus de chances de percer sur le marché du livre en vous démarquant de vos concurrents.

Nous allons donc prendre le temps de cet article pour réfléchir à votre style et comment le développer.

Qu’est-ce qu’un style ?

Le Larousse définit le terme style comme une « façon particulière dont chacun exprime sa pensée, ses émotions, ses sentiments ».

En écriture, le style c’est ce qui vous rend original, unique. Grâce à lui, vous allez vous démarquer du reste de vos pairs.

Par conséquent, il est essentiel de vous poser la question : « Quel est mon style ? ». Vous l’avez probablement déjà développé au fur et à mesure de votre pratique, sans même vous en rendre compte.

D’ailleurs, vous opérez déjà un choix de style lorsque vous vous demandez : « Dois-je transmettre cette idée de cette manière-ci ou de cette manière-là ? », jusqu’à trouver la formulation qui fait mouche. Celle qu’un autre n’aurait peut être pas choisie !

Toutefois, le style ne doit pas devenir un prétexte pour réinventer la langue. Par conséquent, ayez en tête les règles de français et les codes qui régissent votre genre littéraire.

D’autre part, questionnez-vous sur comment votre style s’est développé : avez-vous fait des choix conscients ou inconscients au fil du temps sur vos préférences d’écriture ? Ces choix sont-ils légitimes et adaptés ? Ou vous desservent-ils ?

Car en effet, votre style peut devenir un véritable frein à votre carrière, s’il n’est pas reçu avec enthousiasme par le plus grand nombre des lecteurs.

Heureusement pour vous, BoD vous a préparé 10 conseils pour vous aider à (re)travailler votre style et à le développer.

10 conseils pour améliorer son style d’écriture

1. Exercez-vous pour trouver votre style

Pour améliorer son style, il n’y a pas de secret. Il faut s’entraîner. En effet, il est important de persévérer et continuer à écrire.

En tant qu’artiste, il peut arriver d’être dépassé·e, sous pression. Ce stress constant de savoir si vous allez réussir à dégager des revenus de vos écrits et vivre de notre passion peut vous écarter de nos objectifs profonds. Vous préférez alors peut-être investir votre temps et votre énergie dans le marketing, les réseaux sociaux, les rencontres en librairie, en oubliant le principal. À savoir : l’écriture et votre évolution dans ce métier.

Or, si vous suivez certain·e·s écrivain·e·s renommé·e·s, vous verrez que leur façon d’écrire a changé avec le temps. Alors c’est tout à fait normal pour le moment si votre style n’est pas parfait, peu importe votre âge.

Entraînez-vous, expérimentez avant d’écrire un roman. Participer à tes ateliers d’écriture, par exemple, vous aidera à sortir de votre zone de confort et vous amènera à tester beaucoup de choses différentes. Vous pouvez aussi pratiquer chez vous des exercices d’écriture créative selon des contraintes. Rédiger des textes courts et écrire des nouvelles vous sera très utile pour affiner votre style. Sur Instagram, vous trouverez de nombreux posts proposant des jeux d’écriture, notamment sur le compte de WriteControl.

Si vous êtes étudiant·e et passionné·e d’écriture, vous pouvez vous tourner vers les masters de création littéraire pour apprendre à écrire. Mais il existe aussi bien d’autres formations d’écriture, que nous avons listées dans cet article : Quelles formations d’écriture pour les auteurs en France ?

Surtout, n’ayez pas peur de vous lancer parce que votre style ne s’est pas encore affirmé. Il faut bien débuter quelque part !

2. Prenez conscience de vos conditionnements en écriture

Si vous aimez votre style, ce n’est pas pour autant qu’il n’a pas été conditionné à un moment. Cela signifie que dans votre vie, vous avez fait des choix conscients ou inconscients quant à la manière dont vous préférez écrire.

Par exemple, dans l’enfance, le maître ou la maîtresse vous a appris à construire des phrases correctes. Puis, un peu plus tard, vous avez peut-être été noté·e sur des rédactions ou argumentaires. Certains commentaires ont pu être marquants et désormais, vous corrigez automatiquement des « fautes » qui avaient été soulevées alors.

Ces remarques étaient probablement très pertinentes, mais vous desservent peut-être aujourd’hui, car vous restez focalisé·e dessus.

Il peut aussi arriver que vous adoptiez des tics de langage à l’écrit, comme on le fait généralement à l’oral. Ceux-ci peuvent alors alourdir votre récit et rendre la lecture moins agréable, voire moins professionnelle.

Pour cela, identifiez vos mauvaises habitudes en écriture et apprenez à vous en libérer.

3. Allégez votre texte : certainement le meilleur conseil pour améliorer votre style !

Il peut arriver qu’une information qui vous semble essentielle ne le soit pas forcément pour les lecteurs et lectrices.

Si par exemple, vous décrivez une scène qui se passe dans un magasin et que vous écrivez :
« Lorsque Loïc s’engouffra dans le rayon suivant, il aperçut les pains au chocolat au chaud dans leur barquette. Le prix indiqué était de 2,50 €. Il les saisit, et se dirigea aussitôt vers la caisse pour être à l’heure à son rendez-vous. »
Dans cette histoire, le prix des pains au chocolat n’est pas important. Même si au moment d’écrire ces lignes, ça nous a semblé une évidence, il est possible de revenir sur ce choix pour alléger notre texte. En effet, ces informations ne feraient que distraire le lecteur du véritable but.

De manière générale, des phrases courtes et « minimalistes » ont toujours plus d’impact que des phrases et paragraphes alambiqués, « bavards » et faisant usage de fioritures et pléonasmes. Le style de Proust n’est hélas plus dans l’air du temps !

4. Révisez vos figures de style pour un effet wahou

Vous souhaitez être écrivain·e, mais vous détestiez le français à l’école. Ce n’est pas forcément un frein à votre carrière.

Toutefois, il peut être intéressant de se replonger dans les manuels scolaires afin de voir ou revoir différents enseignements.

Par exemple, apprendre plusieurs figures de style peut vraiment faire la différence. Pour commencer, vous pouvez vous amuser à transformer des comparaisons en métaphores. À vous de voir ce qui convient le mieux à votre lectorat !

« Son chat se tenait immobile dans la nuit, telle une statue » est une comparaison qui, convertie en métaphore, peut devenir : « Son chat changé en statue se tenait dans la nuit ».

À vous de jouer ! Prêtez-vous à l’exercice et postez les métaphores obtenues en commentaire ?

5. Enrichissez votre vocabulaire pour apporter de la variété et de la profondeur

Le choix du vocabulaire est également primordial.

En effet, il est important de nourrir son récit et d’éviter un excès de répétitions. Toujours utiliser les mêmes mots de liaison ou encore les verbes être et avoir peuvent rendre votre histoire plus fade aux yeux d’un·e lecteur·rice.

Si en revanche vous prenez le temps de rechercher des synonymes, vous pourrez améliorer votre style.

Et si vous instauriez une routine quotidienne ? Créez une jolie liste de mots que vous n’employez pas souvent. Vous pourrez la ressortir lors de vos sessions d’écriture.

Il arrive aussi parfois que ce soient des termes, un langage soutenu ou l’usage des expressions qui définissent le style d’un·e auteur·rice. Et vous, qu’est-ce qui définit votre style ?

Pour découvrir tout un tas d’outils linguistiques en ligne, nous vous conseillons la fonctionnalité « Thésaurus » de notre plateforme d’écriture WriteControl. Ses dictionnaires de synonymes, antonymes, figures de style et champs lexicaux sont une mine d’or pour enrichir son vocabulaire !

6. Perfectionnez vos dialogues pour améliorer votre style

L’art du dialogue, ça s’apprend. Il ne doit pas contenir d’informations inutiles ou de trop longues phrases. Et surtout, il doit être alterné avec quelques phrases de narration pour éviter qu’il ne soit trop long.

Par exemple :
« Sophie entra dans la pièce et salua ses hôtes d’un large sourire. Martha s’avança vers elle.
— Avez-vous bien dormi hier soir ?
— Comme un loir, merci. J’ai toutefois été intriguée par votre chat en me levant pendant la nuit. Il semblait attendre quelque chose.
Martha gloussa et répondit :
— Vous voulez dire Réglisse ? Ça fait bien longtemps qu’elle ne bouge plus.
Martha indiqua à Sophie de la suivre dans la pièce qu’elle avait traversée pendant la nuit en se rendant au petit coin.
— Voici Réglisse.
Sophie sentit un frisson lui parcourir le dos. Réglisse était en effet un chat empaillé. »

Ne ratez pas à ce sujet notre article sur les 5 conseils pour réussir les dialogues.

7. Restez authentique dans vos écrits : ne copiez pas le style d’un·e autre !

Chaque style est unique, et pourtant plusieurs styles se sont inspirés d’autres. C’est pourquoi il est primordial de rester authentique au vôtre.

Il est bien sûr largement conseillé de lire, d’observer des styles différents et même de s’en inspirer dans un premier temps. Rendez-vous à la médiathèque pour feuilleter des ouvrages du même style que le roman que vous souhaitez écrire pour observer comment ils sont écrits. Toutefois, il ne faut pas placer la barre trop haut ou vouloir être aussi bon qu’un·e autre en copiant son style.

Il s’agit davantage de repérer pourquoi ce style résonne en vous. Pourquoi c’est celui-ci et pas un autre qui vous attire. De cette manière, votre style sera cohérent avec votre personnalité d’écrivain·e et vous garderez le plaisir d’écrire.

8. Intégrez les conseils de ses bêta-lecteurs et bêta-lectrices pour progresser

Si vous ne savez pas encore ce qu’est un·e bêta-lecteur·rice, filez lire notre article sur le sujet : bêta-lecteur : mode d’emploi.

De bon conseil, les bêta-lecteur·rice·s savent repérer les points forts de votre livre. Mais ils/elles peuvent également vous aider à déceler ce qui mériterait d’être amélioré.

Un tic de langage bien trop répétitif ? Des phrases trop longues et un vocabulaire pauvre ? Restez à leur écoute, car ils/elles vous indiqueront quels aspects de votre style sont à développer ou à améliorer.

9. Oubliez les négations et la voix passive qui alourdissent vos écrits

D’une part, il est recommandé d’éviter les négations qui alourdissent les phrases. Dans ce cas, c’est assez simple. Plutôt que d’écrire « Jean n’aime pas la couleur de ses cheveux », choisissez « Jean déteste la couleur de ses cheveux ».

De cette manière, le récit s’inscrit dans le positif et moins dans le négatif. Sauf si bien sûr, vous souhaitez jouer sur cette négativité pour l’accentuer dans votre histoire.

D’autre part, préférez la voix active, qui donne davantage de dynamisme à votre texte que la voix passive.

Par exemple, il vaut mieux écrire « nos voisins ont décidé de lancer leur propre marque », plutôt que « une marque a été lancée par nos voisins ».

De plus, préférer la voix active évite une répétition trop importante du verbe « être », nécessaire pour la construction de la voix passive.

10. Évitez d’utiliser des adverbes et des participes présents pour plus d’élégance

Enfin, il est préférable de ne pas alourdir ses phrases par des adverbes ou des participes présents.

Écrire « anticonstitutionnellement » risque de remplir toute la ligne d’une page. Ce n’est ni très esthétique, ni agréable de lire des mots trop longs.

De plus, trop de sons « an » pourrait alourdir vos phrases et rendre le récit moins lisible ou moins agréable à lire. C’est pour cela que les participes doivent être utilisés avec modération.

Améliorer son style en allant plus loin
Si vous souhaitez en savoir davantage sur le style d’écriture, vous pouvez vous référez à des livres spécialisés sur le sujet.
Nous vous conseillons par exemple la lecture du Jourde & Naulleau, Précis de littérature du XXI ^e siècle. Ce livre décrypte et critique de manière désopilante le style de nombreux auteurs contemporains à succès et permet d’identifier grâce à des exemples concrets leurs défauts à ne pas reproduire !

Vous arrivez devant votre ordinateur tous les matins avec votre tasse de café (ou thé) à portée de main, pleine de bonne énergie et de volonté d’écrire ! Puis en écrivant, vous vous perdez dans les petits détails de vos personnages, vous vous découragez et vous doutez.

Vous avez l’impression de tomber dans les clichés et stéréotypes, qui rendent vos personnages trop prévisibles ou banals. Bref, vous finissez par avoir envie de jeter vos écrits à la poubelle.

Comment écrire un personnage de roman qui marque l’esprit des lecteurs et lectrices ? Voici nos 5 conseils !

1.    Un personnage réussi doit se démarquer physiquement

L’essentiel est de choisir avec soin des éléments qui permettent de démarquer votre personnage de la masse. Il peut s’agir de caractéristiques physiques ou psychologiques.

Généralement, vous avez les caractéristiques physiques de votre personnage en tête. Pour qu’il prenne aussi vie dans l’esprit de votre lecteur·rice, vous pouvez décrire votre personnage dans différentes situations. Par exemple, quand il :

• parle pour la première fois ou lors de sa première apparition ;
• réalise une action ;
• se déplace ;
• il parle ;
• entre dans une pièce ou en ressort…

Plus vous allez varier ces situations et plus votre lecteur·rice connaîtra votre personnage sous différentes facettes, ce qui le rendra plus intéressant.

Vous pouvez opter pour des descriptions très précises.

Vous pouvez aussi vous attarder sur un ou deux traits physiques minimes pour différencier votre personnage de la masse.

2. Un personnage réussi doit se démarquer par sa personnalité

Bien sûr, les caractéristiques psychologiques sont complexes et nombreuses. Comment définir celles de vos personnages ? Tadam ! C’est maintenant que le modèle des « big five » entre en jeu.

Le modèle « big five », quèsaco ? ?

Fréquemment utilisé dans le domaine de la psychologie, il désigne les cinq principaux traits de personnalité.

Remplir le questionnaire des « big five » pour votre personnage, c’est comme l’emmener chez le psy ! Il vous permet de déterminer sa personnalité en évaluant votre personnage de 1 (pas d’accord) à 20 (tout à fait d’accord) selon 5 critères. Les voici :

1. Extraversion : Votre personnage réagit-il fortement aux stimulus agréables ? Est-il plutôt introverti ?

2. Agréabilité : A-t-il tendance à coopérer ? Est-il altruiste ? A-t-il du mal à entrer en conflit ?

3. Conscienciosité : Est-il capable de s’organiser et de persévérer pour atteindre le but qu’il s’est fixé ? Est-il rigoureux ?

4. Nervosité : Est-il réactif aux stimulus négatifs ?

5. Ouverture : Est-il ouvert à la nouveauté ? Ou plutôt fermé dans ses idées ?

Le profil psychologique de Harry Potter, WriteControl

Sur la plateforme d’écriture en ligne WriteControl.fr, vous pouvez ajouter autant de caractéristiques psychologiques que vous voulez afin de créer un personnage qui a du caractère ?

3. Le passé du personnage a une grande importance

C’est l’occasion de plonger le lecteur dans le vécu et les expériences de votre personnage. Son passé a son importance, car, comme dans la vie réelle, il détermine ses réactions, comportements et émotions tout au long de votre histoire.

Les lecteurs adorent par exemple découvrir la trajectoire d’un personnage méchant pour comprendre ce qui l’a fait basculer. Pour qu’ils comprennent votre personnage et comment il en est arrivé là, vous pouvez révéler quelques informations sur son passé et sur ses expériences de vie.

Le passé de votre personnage justifie certaines de ses émotions. Par exemple, un personnage qui a été mordu par un chien lorsqu’il était enfant peut maintenant avoir une peur excessive des chiens. Mais comment exprimer les émotions de votre personnage ? Ça tombe bien, c’est ce que l’on va voir dans le point 4 ?.

4. Les émotions du personnage doivent être exprimées

Focalisez-vous d’abord sur deux ou trois émotions. Pour que le lecteur y croit, soyez crédible dans les détails et la cohérence de ces émotions dès les premières lignes. Par exemple, si l’émotion principale est la colère, vous n’allez pas juste dire que « Lisa est en colère ». Montrez plutôt les différentes couleurs de cette émotion : le manque de reconnaissance, la frustration liée à une charge de travail excessive, l’injustice, un besoin inassouvi à cause d’un obstacle, etc.

Vous pouvez rendre les émotions palpables en décrivant les expressions physiques intérieures et extérieures de vos personnages.

Puisez dans votre expérience personnelle ou inspirez-vous de votre entourage. Étudiez l’émotion que vous voulez susciter pour mieux la retranscrire.

Pour augmenter l’empathie du lecteur, donnez-lui accès aux pensées de votre personnage. Le lecteur pourra ainsi aisément ressentir ses émotions et s’identifier à votre protagoniste ?

Utilisez l’environnement pour créer une atmosphère qui viendra renforcer les émotions que vous souhaitez transmettre dans votre scène. Par exemple, une tempête peut ajouter de l’intensité à une scène de dispute entre deux personnages.

5. Un personnage réussi a une mission bien définie

Pour pousser votre lecteur à vouloir connaître la suite de votre histoire, il a besoin de savoir concrètement ce qui anime votre personnage. Votre personnage doit donc avoir un but précis.

Sans cela, c’est comme s’il naviguait sans boussole. Résumez l’objectif de votre personnage en une phrase courte. Cet objectif vous aidera à définir les réactions et comportements de votre personnage tout au long de votre histoire. ?

Les lecteurs aiment les personnages proactifs, qui prennent en main leur destin, se démènent pour arriver à leur but. Faites évoluer votre héros tout au long de l’histoire, montrez qu’il a grandi, changé et évolué.

Quelles sont vos astuces pour créer un personnage de roman qui marque l’esprit des lecteurs ? Écrivez-les dans les commentaires ?.

En bonus, nous avons créé pour vous une « fiche personnage » à imprimer ! Il ne vous reste plus qu’à la remplir pour peaufiner le portrait de votre héros ?

Conseils

Connaissez-vous WriteControl ?

WriteControl vous permet d’écrire et de suivre l’évolution de votre roman. C’est une plateforme d’écriture pour auteurs sur laquelle vous pouvez à la fois structurer et planifier votre livre, écrire, et suivre vos progrès à l’aide de statistiques. Elle vous offre un environnement d’écriture agréable dans lequel vous pouvez vous épanouir ?

Avec WriteControl, fini les fichiers texte non sauvegardés, les classeurs et feuilles volantes que vous mettez un temps fou à retrouver. Planification des chapitres, notes, fiches personnages, cartes mentales… L’outil vous permet de réunir tous les éléments de votre roman au même endroit.

Avec WriteControl, BoD peut prendre en charge l’impression et la distribution de votre livre. Nous référençons votre livre sur les catalogues des libraires et sur de nombreux sites marchands.

Tous les éléments sont réunis pour vous aider à réaliser votre rêve d’écrivain ! ?

Venez tester la version gratuite de WriteControl ici.

D’autres ressources pour améliorer vos écrits :

5 conseils pour réussir les dialogues – BoD.fr

Comment améliorer son roman : 10 défauts à corriger – BoD.fr

Comment corriger son livre ? – BoD.fr

Autrice

Anna Georgelin

Anna travaille dans l’équipe Marketing. Elle a étudié les langues étrangères appliquées et est passionnée par la lecture et l’écriture. Elle aime partager des conseils d’écriture et suivre les nouvelles tendances littéraires.

Plus d’articles

L’écriture est une passion pour vous, mais vous savez ô combien il peut s’avérer compliqué de maintenir sa motivation, corriger son texte, organiser ses recherches…

Et si l’on vous disait qu’il existe une solution pour remédier à ces petits tracas d’écrivain·e ? Il s’agit de WriteControl, la plateforme d’écriture innovante pensée et conçue pour les auteur·rice·s. Nous avons le plaisir de vous la présenter dans cet article.

Comment est né le logiciel d’écriture WriteControl

En 2016, Maxime, developpeur Web, crée pendant son temps libre des outils d’écriture pour répondre aux besoins de Manon, sa compagne passionnée des mots. C’est finalement un logiciel d’écriture offrant de nombreuses fonctionnalités qui voit le jour. L’idée fait son chemin : pourquoi ne pas partager ce précieux logiciel avec d’autres auteurs et autrices ?

Deux ans après, ce sont des milliers d’écrivain·e·s qui sont au rendez-vous. Un succès incroyable qui a décuplé la motivation de Maxime.

Cette belle histoire et le potentiel de ce logiciel d’écriture en ligne ont séduit BoD – Books on Demand, une des plateformes d’auto-édition les plus connues en Europe, et c’est ainsi que la collaboration est née. Grâce à cette alliance stratégique, les auteur·rice·s disposent désormais d’un environnement d’écriture créatif et innovant qui les accompagne de la rédaction jusqu’à la publication du livre.

La plateforme vous permet en effet de vous faciliter la vie lors de l’écriture de votre livre, de structurer votre manuscrit, stimuler votre créativité ou encore parfaire votre texte.

Grâce au soutien de BoD, WriteControl ouvre un nouveau chapitre de son histoire et peut continuer à développer toujours plus de fonctionnalités ingénieuses pour les auteur·rice·s. Mais aussi proposer la possibilité d’imprimer son livre directement depuis WriteControl !

Un logiciel d’écriture gratuit et complet

WriteControl est un logiciel d’écriture pensé pour simplifier toutes les étapes de la création d’un livre, de l’écriture à l’impression, en passant par la création des personnages, ou encore la relecture et la correction. Fini les multiples fichiers de traitement de texte et les post-its éparpillés ! Toutes les fonctionnalités nécessaires à la rédaction et la conception d’un livre sont disponibles au même endroit.

Les fonctionnalités essentielles de WriteControl sont disponibles pour tous et toutes, auteur·rice·s amateur·rice·s comme professionnel·le·s, en version gratuite. Mais pour aller encore plus loin, il existe également un abonnement Premium offrant des outils toujours plus ingénieux et innovants pour écrire son livre, le perfectionner et le préparer à la publication.

Découvrez pourquoi WriteControl vous simplifie la vie :

Écrire depuis n’importe où

Écrivez votre livre dans le monde entier et sur n’importe quel appareil. Votre texte est sauvegardé automatiquement en ligne. Vous pouvez-même travailler hors ligne quand vous n’avez pas de connexion ! L’éditeur de texte est simple et ludique à utiliser.

Structurer son manuscrit

Il est possible de rédiger pour chaque chapitre un résumé de son contenu pour ne rien oublier. Le mode tuile permet de visualiser l’ensemble en un coup d’œil et d’intervertir facilement les parties de votre ouvrage. Vous pouvez également annoter et commenter votre texte directement sur l’éditeur de texte.

Parfaire son texte

Dans la version gratuite, vous disposez d’un dictionnaire de synonymes intégré, pour trouver le bon mot en un clin d’œil. Et grâce à l’abonnement Premium, tous les outils linguistiques sont disponibles en un seul endroit ! Correcteur, encyclopédie et détecteur de répétitions vous permettent de sublimer vos écrits et de rendre une copie sans fautes.

Stimuler sa créativité

Physique, caractère, évolution… Autant de caractéristiques auxquelles il faut penser lors de la création de vos personnages. Des fiches personnages gratuites et interactives vous attendent pour vous aider à développer la personnalité de vos protagonistes. Dans l’abonnement Premium, la carte mentale est d’une grande aide pour mettre en ordre toutes vos idées !

Entretenir sa motivation

Compteur de mots, temps passé à écrire, moyenne de mots écrits par jour… Suivez l’avancée de votre projet grâce aux statistiques d’écriture disponibles sur WriteControl et définissez des objectifs pour rester motivé·e jusqu’au point final.

Et ce n’est pas tout ! D’autres fonctionnalités sont disponibles, allant de l’export de votre manuscrit en fichier Word ou ePub à la personnalisation de votre espace d’écriture.

Un logiciel d’écriture utilisant l’intelligence artificielle

Depuis septembre 2023, les utilisateurs et utilisatrices Premium de WriteControl bénéficient de toutes nouvelles fonctionnalités intelligentes !

Les possibilités offertes par l’intelligence artificielle pour écrire un livre sont nombreuses. Non pas pour écrire à votre place, mais plutôt pour aider chaque auteur·rice à améliorer son roman grâce à des conseils et feedbacks personnalisés. L’intelligence artificielle peut faire office de premier bêta-lecteur et de coach littéraire. C’est en tout cas la principale utilité de l’assistant d’écriture de WriteControl.

D’autres outils ont été créés spécialement pour faciliter la vie des écrivain·e·s : le générateur de titres et de résumés de chapitres, la fonctionnalité « Alternatives » permettant de reformuler des phrases, ou encore la détection de l’importance des personnages dans un chapitre.

Mais ce n’est pas tout : un générateur d’images permet également de créer des images d’inspiration sur mesure pour ses personnages et les décors de son roman. La fonctionnalité « Thésaurus » permet, quant à elle, de trouver les mots justes : des rimes, des champs lexicaux, des métaphores et autres figures de style.

WriteControl, c’est aussi une application d’écriture Android

Les utilisateurs et utilisatrices disposent également d’une application d’écriture mobile disponible sur les appareils Android. Ils et elles peuvent maintenant écrire en toute ergonomie et rapidement sur leur Smartphone !

Leur manuscrit se synchronise directement avec la version de WriteControl pour ordinateur. Pour le moment, l’application est plutôt simple et minimaliste : on peut y créer la trame de son roman et accéder aux différents chapitres pour les écrire ou les réviser.

Les autres outils seront ajoutés au fur et à mesure sur l’application. Et si vous avez des retours ou des suggestions, n’hésitez pas à rejoindre le Discord de la communauté WriteControl. Toute l’équipe est à l’écoute de vos besoins et vous vient en aide en cas de pépin sur la plateforme et l’application.

À noter qu’il est possible également d’accéder au site (sans application) directement depuis le navigateur de n’importe quel Smartphone (y compris iOS) ou tablette. L’interface s’adapte au format mobile et il est alors possible d’utiliser toutes les fonctionnalités.

Nous vous invitons à découvrir WriteControl en vous rendant directement sur le site !

Écrire un roman feel good, c’est un peu la même chose. Nous souhaitons que nos lecteur·rice·s se sentent « tout bien, tout cosy » en nous lisant. Cela ne signifie pas que ce genre littéraire ne comprend pas son lot de rebondissements. 

Simplement, c’est une lecture qui doit nous laisser un sentiment joyeux. Un sentiment feel good. Et que nous nous accordons tout simplement pour nous procurer du bien-être.

Voyons dans cet article les 5 ingrédients pour écrire un roman feel good qui fera le bonheur de votre audience. Pour rédiger cet article, nous avons demandé à l’une de nos autrices, Anne-Estelle Dal Pont, de nous parler de l’écriture de son livre Des petits pas au-dehors, publié chez BoD début 2023. 

1. Un contexte contemporain sans complexité

Le premier ingrédient pour un roman feel good réussi, c’est de bien choisir le contexte dans lequel va se dérouler l’histoire. Même s’il n’existe pas de règles auxquelles il ne faudrait pas déroger, la plupart des récits de ce genre se situent dans notre réalité contemporaine. 

Les auteur·rice·s n’ajoutent ni intrigue fantastique, ni n’inventent de nouveaux mondes ou de nouvelles organisations. En effet, le but étant d’aider les lecteur·rice·s à se reconnaître dans les situations, les personnages évoluent dans notre monde.

Certains romans feel good ne se préoccupent même pas du contexte. Nous n’y trouvons ni ville, ni année inscrite à l’intérieur du récit. Ils décrivent simplement des lieux et des périodes qui pourraient se trouver partout dans notre société.

Nous vous conseillons alors de ne pas vous attarder de trop sur le contexte, si ce n’est d’écrire à notre époque. Pour autant, vous pouvez évoquer le passé de certains personnages, si c’est essentiel dans votre intrigue. 

Valérie Perrin, dans son livre Trois, remonte des années 80 à de nos jours par exemple. Une journaliste doit enquêter sur une épave retrouvée au fond d’un lac qui relie la vie de trois amis d’enfance. Et le récit va reprendre leur histoire à différents âges.

2. La psychologie des personnages et les émotions durant la lecture

Dans un roman feel good, l’intérêt de l’histoire ne repose pas sur la découverte d’un univers comme c’est le cas dans les romans de fantasy, mais sur la psychologie des personnages et ce qu’ils et elles vivent. Car un roman feel good, c’est avant tout un livre qui « fait ressentir » des émotions à ses lecteur·rice·s.

Et c’est toute la palette des émotions que nous sommes autorisé·e·s à utiliser tout au long de notre intrigue ; pas seulement les sentiments liés au bonheur ! Notre autrice Anne-Estelle Dal Pont le voit clairement avec la façon dont ses personnages se présentent à elle : « Ils traversent toujours un épisode difficile, sombre, douloureux […], et ensuite seulement, je leur souffle des idées pour leur montrer la sortie ». En ce sens, les personnages de nos romans feel good doivent se transformer entre le début de l’intrigue et la fin. Ils et elles doivent se libérer de l’élément perturbateur. Trouver une manière d’y faire face à l’intérieur de soi.

C’est probablement la recette qu’utilise également Virginie Grimaldi pour l’écriture de ses romans. À la quatrième position des auteur·rice·s français·e·s qui ont vendu le plus de livres en 2022, cette romancière nous propose toujours des romans à haute dose d’émotions. 

Ses personnages font généralement face à des situations que toute personne qui vit dans notre société contemporaine pourrait rencontrer. De l’abattement, de la joie, du découragement, de l’humour. Ils et elles traversent des montagnes russes qui nous rappellent tout simplement… la vraie vie. 

3. Une histoire traitant de thèmes universels

Comme nous le disions, les personnages sont fréquemment tiraillés par une épreuve à surmonter. Ils et elles doivent découvrir comment surpasser cette situation. Comment se montrer résilient·e. 

Nous avons interrogé Anne-Estelle Dal Pont sur sa façon de bâtir l’intrigue d’un roman feel good. Selon elle, « le plus simple, c’est de définir comme point de départ la crise que traverse le personnage principal. On part du problème pour remonter à la surface ».

Cette crise que traverse le personnage doit être universelle. Les lecteur·rice·s n’auront pas forcément vécu cette situation, mais ils et elles seront capables de comprendre ce qu’elle signifie et représente émotionnellement. En somme, les lecteur·rice·s vont s’identifier aux personnages et se dire que cette situation pourrait également leur arriver. Comment alors s’y prendre pour s’en sortir ? C’est ainsi que se crée le suspense et qu’ils/elles auront envie de connaître la suite de l’histoire.

Prenons pour exemple le livre emblématique de Raphaëlle Giordano, Ta deuxième vie commence quand tu comprends que tu n’en as qu’une, pour illustrer ce genre d’intrigue.

Dans cette histoire, le personnage principal est en crise dès le début. Sa voiture tombe en panne, et c’est la goutte d’eau qui fait déborder le vase. Nous comprenons assez vite qu’elle vit un épisode dépressif qu’elle ne parvient pas à comprendre, alors qu’elle a tout dans sa vie pour être heureuse.

Le personnage va vivre des péripéties qui vont lui permettre d’évoluer vers un état de quiétude. C’est ce schéma que vous pourriez suivre pour écrire pour votre roman feel good. 

Gardez bien en tête que la lecture doit être fluide et que votre personnage doit évoluer progressivement. Nous devons comprendre quels moments dans sa vie lui permettent d’avoir un déclic. Ce sont des situations concrètes et compréhensibles par tout le monde.

Par exemple, votre personnage est déprimé au début de l’histoire à cause de son divorce, et vit un enchaînement de situations désagréables. Quelqu’un le double à la caisse du supermarché. Il rate le dernier métro. La brique de lait est vide… Vous avez saisi.

4. Une chute heureuse et feel good

Nous aurions tendance à penser qu’un roman feel good rime forcément avec happy ending. Après tout, le but est de faire en sorte que les lecteur·rice·s se sentent bien. Mais faut-il pour autant forcément un prince et beaucoup d’enfants pour conclure notre récit ?

Anne-Estelle considère qu’une fin joyeuse n’a pas le même sens pour tout le monde. Elle nous explique que le plus important, c’est de laisser « une empreinte lumineuse » sur les lecteur·rice·s. 

Donc la véritable question serait plutôt : où est-ce que nous avons envie d’emmener nos lecteur·rice·s ? Quel est le message que nous souhaitons leur transmettre à travers notre livre ?

« Je crois que mes romans sont feel good parce que c’est ce qu’ils procurent à mes lecteurs », nous dit Anne-Estelle. En effet, c’est le message qui doit être positif et transmettre un sentiment de bien-être.

Dans Des petits pas au dehors, elle montre « qu’il n’est jamais trop tard pour s’ouvrir à soi et aux autres ». Un appel bienveillant à trouver une échappatoire positive dans une situation qui pourrait nous paraître désespérée. 

C’est l’idée de parvenir à se sentir bien. De pouvoir retrouver son plaid sur le canapé. Même lorsqu’il y a de l’orage dans l’air.

5. Une couverture légère et un titre inspirant

Enfin, pour donner à votre roman feel good toutes les chances de rencontrer le succès, vous allez devoir vous pencher sur son titre et sa couverture. Généralement pimpante, riche en couleurs, rayonnante et positive, cette dernière se repère très vite. 

Les couvertures de ces livres attirent franchement l’œil par leurs couleurs vives, multiples et positives. Elles sont très souvent composées d’illustrations digitales ou de photographies d’objets que nous retrouvons dans le titre (voir ci-dessous).

Nous vous conseillons donc de choisir une couverture qui saura plaire et capter le regard de votre lectorat. Tout en illustrant l’aspect positif qui se dégage de votre histoire. Ce peut être une péripétie, le message que vous souhaitez transmettre ou l’état émotionnel que le personnage parvient à atteindre.

Quant au titre, il n’existe pas de règle absolue en la matière, mais la plupart des romans feel good utilisent des titres plutôt longs et poétiques tels que : 

• Tout le bleu du ciel de Mélissa Da Costa
• Changer l’eau des fleurs de Valérie Perrin
• Dans le murmure des feuilles qui dansent d’Agnès Ledig

D’autres sont plus concrets et en rapport avec l’enseignement positif qu’ils transmettent, comme Va vers ta peur de Caroline De Surany ou Le jour où j’ai appris à vivre de Laurent Gounelle. 

Nos 5 ingrédients pour écrire un roman feel good

• Choisir un contexte contemporain et simple pour faire évoluer nos personnages
• Mettre l’accent sur les situations de la vraie vie et les émotions que vivent nos personnages
• Construire une intrigue autour d’une situation à surmonter
• Préparer une fin qui délivre un message positif 
• Réaliser une couverture colorée et joyeuse.

Vous souhaitez plus de conseils d’écriture ? Découvrez nos 15 astuces pour trouver le temps d’écrire.

Un grand merci à Anne-Estelle Dal Pont, notre autrice feel good, qui a accepté de répondre à nos questions. Vous pouvez retrouver son roman Des petits pas au-dehors sur la librairie BoD. Et suivre ses aventures sur Instagram et son site Internet.

Autrice

Caroline Ricciardi

Rédactrice web et graphiste en freelance, Caroline est passionnée par le monde du livre et de l’entrepreneuriat. Elle apprécie écrire des articles pour BoD et vous transmettre les informations qui vous donneront un petit coup de pouce pour progresser dans votre projet.

Plus d’articles

1. Soyez concis·e

Contrairement au roman, la nouvelle ne se découpe pas en plusieurs chapitres ou parties : elle doit pouvoir se lire d’une traite. Pour notre concours de nouvelles (nous en parlons en fin d’article) par exemple, nous avons fixé la limite à 15 000 caractères. Oubliez donc les longues descriptions, allez droit au but ! Commencez votre nouvelle in medias res, c’est-à-dire directement au milieu de l’action, sans préambule.

2. Respectez l’unité d’action

Autrement dit, concentrez-vous sur une seule thématique, un seul événement : vous n’avez pas le temps de développer des intrigues secondaires dans une nouvelle. L’intrigue doit pouvoir se résumer en une phrase ! De même, les actions se déroulent généralement dans un temps assez court, c’est-à-dire que la nouvelle se focalise sur une scène ou les actions d’une seule journée, et non sur toute une année par exemple.

3. Privilégiez l’intrigue et/ou le style

Si un roman repose parfois davantage sur ses personnages très travaillés que sur son intrigue, il ne sert à rien de trop développer ses personnages dans une nouvelle. En effet, le texte étant court, la psychologie des personnages importe peu, car ceux-ci n’auront pas le temps d’évoluer. Bien souvent, le lecteur ou la lectrice n’a que peu d’informations sur les personnages de la nouvelle, seulement l’essentiel pour pouvoir comprendre l’histoire. Certains recueils de nouvelles ont des airs de galerie de personnages. Il s’agit là de personnages plutôt universels.

4. Écrivez sur des thématiques contemporaines

La nouvelle diffère du conte en ceci qu’elle s’inscrit dans l’époque contemporaine, et non dans un lointain passé. Bien souvent, l’histoire se déroule de nos jours, est empreinte du réalisme du quotidien. Certain·e·s auteur·rice·s optent d’ailleurs pour le présent de l’indicatif pour écrire leur récit. La nouvelle porte un regard nouveau sur notre monde d’aujourd’hui. Elle peut critiquer ses travers, en sublimer la beauté, ou bien simplement donner à le voir d’une autre manière.

5. Soignez la fin

David Lodge, dans L’Art de la fiction, explique : « La nouvelle est essentiellement tournée vers sa fin, ne serait-ce que parce qu’on commence une nouvelle en s’attendant à arriver vite à sa conclusion. […] Nous avons tendance à lire une nouvelle d’un seul coup, comme attirés par la puissance magnétique de sa conclusion anticipée. »

Les nouvelles sont souvent appréciées pour leur chute, même si certaines n’en comportent pas forcément. Il s’agit d’un retournement de situation qui surprend les lecteur·rice·s. Angelo Rimaldi déclare : « La nouvelle doit donner en profondeur ce que le roman donne en longueur. » Autrement dit, il s’agit de montrer brièvement pour faire réfléchir longuement. La fin d’une nouvelle peut par exemple être ouverte pour laisser le loisir à ses lecteur·rice·s d’y voir plusieurs interprétations.

Quelques recueils à lire pour apprendre à écrire une nouvelle

Dino Buzzati, Le K

Devenu un classique du XX^e siècle, Le K est un recueil de nouvelles fantastiques. On y trouve notamment des nouvelles à chute.

Anna Gavalda, Je voudrais que quelqu’un m’attende quelque part

Il se passe peu de choses dans les nouvelles d’Anna Gavalda, pas d’événement exceptionnel, de rebondissement inattendu, rien que le cours ordinaire de la vie et c’est ce qui en fait le charme. C’est idéal pour s’inspirer quand on souhaite écrire une nouvelle contemporaine, une tranche de vie.

Bernard Werber, L’Arbre des possibles

La science-fiction est à l’honneur dans ce recueil de nouvelles toutes plus originales et créatives les unes que les autres. Une référence pour apprendre à écrire une nouvelle de SF.

Franz Bartelt, Le Bar des habitudes

Des nouvelles absurdes et grinçantes, dont le style a valu au recueil de remporter le prix Goncourt de la nouvelle 2006. Un exemple parfait d’auteur sachant exceller dans l’art de la nouvelle et de la fiction courte.

Stephen King, Tout est fatal

Le maître incontesté de l’horreur nous livre ici une quinzaine de nouvelles qui ne manquent pas de nous donner le frisson. Si vous souhaitez écrire une nouvelle d’horreur, vous devriez le lire !

Roald Dahl, Kiss kiss

Le livre a remporté le « Prix Edgar-Allan-Poe de la meilleure nouvelle » en 1960. Il explore, au travers de 11 nouvelles fantastiques, le côté sombre de la nature humaine. Ce recueil est devenu également une référence en matière d’écriture de nouvelles.

Eric-Emmanuel Schmitt, Concerto à la mémoire d’un ange

Les 4 histoires de ce recueil (Goncourt de la nouvelle 2010) creusent la question : sommes-nous libres ou subissons-nous un destin ? Elles sont suivies du journal tenu par l’auteur durant l’écriture, ce qui est une mine d’informations pour les personnes qui aiment écrire. Eric-Emmanuel Schmitt écrit des romans et des recueils de nouvelles qui donnent à réfléchir. Pour vous inspirer et écrire une nouvelle philosophique, vous savez ce qu’il vous reste à faire ! Et si vous souhaitez écrire un recueil de nouvelles, c’est également un bon exemple. Il est en effet conseillé que toutes vos nouvelles aient un fil rouge thématique, comme c’est le cas dans ce livre.

3 recueils de nouvelles à découvrir sur la librairie BoD

Vous auriez envie de lire une nouvelle réussie dans laquelle ces conseils sont appliqués ? Nous vous recommandons la lecture des recueils de nouvelles listés en encadré, mais vous pouvez découvrir ici un exemple de nouvelle à chute : La Parure de Maupassant.

Pour progresser, envisagez de participer à des concours d’écriture et notamment des concours de nouvelles. Pourquoi vous devriez participer à un concours d’écriture ? Nous avons dédié un article à ce sujet !

Si vous vous lancez, n’oubliez pas le Prix de la Nouvelle BoD, organisé tous les étés en collaboration avec le magazine Femme Actuelle Jeux Géant.

Dans cet article, vous découvrirez comment écrire de la science-fiction efficacement : trouver une idée forte, construire un univers cohérent et exploiter les grands tropes du genre sans tomber dans les clichés. Que vous soyez un·e auteur·rice débutant·e ou expérimenté·e, ces conseils vous aideront à poser les bases d’une SF captivante et originale.

Sommaire

Comment définir la science-fiction ?

Les différences entre SF, Fantasy et fantastique

La science-fiction : un genre très varié

7 étapes pour écrire de la science-fiction

1. Trouver l’idée de son récit de SF

2. Surprendre ses lecteur·rice·s : peut-on encore être original en SF ?

3. Réfléchir à un univers de science-fiction cohérent

4. Définir son message

5. Construire son intrigue de science-fiction

6. Faire des choix narratifs pertinents : point de vue, temps du récit

7. Réussir le début de l’histoire

Écrire un recueil de nouvelles de SF ou un roman de SF

Quelles différences ?

Les nouvelles et fix-up en science-fiction

Publier de la science-fiction : nos conseils

En maison d’édition

En auto-édition

3 romans de SF publiés chez BoD

Comment définir la science-fiction ?

Les différences entre SF, Fantasy et fantastique

La science-fiction est un genre appartenant à la littérature de l’imaginaire, tout comme la Fantasy mais aussi le fantastique. D’où l’appellation courante de SFFF (science-fiction, Fantasy, fantastique).

On s’accorde à dire que la littérature de l’imaginaire désigne les fictions qui inventent des univers et situations impossibles dans le monde réel actuel, en opposition avec la littérature contemporaine, qui se déroule dans le monde tel qu’on le connaît, la plupart du temps à notre époque, et qui se veut réaliste.

En revanche, faire la différence entre science-fiction, Fantasy et fantastique est parfois plus difficile. Les définitions de ces genres varient selon les dictionnaires, les maisons d’édition et les auteur·rice·s… Comme l’explique Orson Scott Card dans son ouvrage pratique Comment écrire de la Fantasy et de la science-fiction ? la SF est un genre vraiment très varié dont on repousse toujours un peu plus les limites.

On peut toutefois considérer que la Fantasy se déroule dans un univers imaginaire contenant des éléments « magiques » ou des créatures, et cela est considéré comme étant normal pour les personnages de ce monde. Exemple d’un roman de Fantasy : Le Seigneur des Anneaux de J. R. R. Tolkien.

Le genre fantastique, quant à lui, raconte des événements étranges, surnaturels, inexpliqués (considérés comme anormaux par les personnages) survenant dans le monde réel tel qu’on le connaît. Exemple d’un roman fantastique : la saga Black Water de Michael McDowell (qui flirte aussi avec le genre de l’horreur).

Enfin, la science-fiction dépeint un monde similaire au nôtre, souvent dans le futur. Les éléments qui diffèrent avec notre réalité sont explicables par des avancées scientifiques ou technologiques. D’où le nom « science-fiction », désignant à l’origine une « fiction scientifique » en quelque sorte. Exemple d’un roman de science-fiction : La Nuit des temps de René Barjavel.

La science-fiction : un genre très varié

Toutefois, aujourd’hui le genre est de plus en plus large et on distingue de nombreux sous-genres de la science-fiction tels que :

• hard SF
• space opera
• cyberpunk
• dystopie
• utopie
• uchronie
• post-apocalyptique…

La « science » est véritablement centrale dans un seul de ces sous-genres : la hard SF. Autrement dit, la science-fiction pure et dure, axée sur une avancée scientifique.

7 étapes pour écrire de la science-fiction

1. Trouver l’idée de son récit de SF

Pour trouver une idée de roman de science-fiction, inspirez-vous des avancées scientifiques ou technologiques d’aujourd’hui ou de demain. Faites des recherches : sur quoi travaillent les scientifiques et ingénieurs actuellement ? Quels seront les transports de demain ? Sur quelles thématiques y a-t-il des débats et polémiques dans ces domaines ? Quelles questions éthiques peuvent être soulevées ?

Dans le sous-genre de la dystopie et du « post-apo » par exemple, on s’interroge sur ce que pourrait devenir notre société dans le futur si nous ne redressons pas la barre dans certains domaines. En effet, la vision d’un avenir totalitaire, liberticide, apocalyptique est souvent le point de départ de ces fictions.

À l’inverse, de nouveaux genres et sous-genres littéraires dépeignant un avenir plus positif émergent. Notamment le hope punk ou encore le solar punk, qui appartiennent plus largement à la catégorie de l’utopie (contraire de dystopie). En effet, certaines personnes pensent qu’à force d’être confrontés toujours à des visions pessimistes du futur, on aurait tendance à être fatalistes en considérant que l’humanité est en perdition et qu’on ne peut rien y faire. Dans ce contexte, montrer que d’autres voies sont possibles si nous agissons peut être une bonne solution.

Interrogez-vous donc : comment imaginez-vous le futur ? Préférez-vous dépeindre un avenir sombre pour dénoncer, ou au contraire un avenir radieux pour inspirer ?

Quoi qu’il en soit, lire des romans de science-fiction vous permettra de vous familiariser avec les codes du genre, et d’en comprendre tous les rouages. Ainsi vous saurez également tous les scénarios d’anticipation qui ont déjà été imaginés, pour pouvoir peut-être autant vous en inspirer que vous en détacher.

2. Surprendre ses lecteur·rice·s : peut-on encore être original en SF ?

On retrouve en SF des thèmes récurrents. Comme en romance, la science-fiction contient un certain nombre de tropes. C’est-à-dire des thèmes ou situations qui sont moteurs d’intrigues.

Les principaux tropes de la science-fiction

Espace

• Exploration spatiale
• Colonisation d’une autre planète
• Rencontre d’extraterrestres…

Technologie

• Intelligence artificielle hors de contrôle
• Robots
• Humanité augmentée : cyborg, implants, transhumanisme, immortalité
• Mondes virtuels, simulation…

Science

• Manipulations génétiques : clonage humain, eugénisme, mutations, hybridations
• Pandémies
• Téléportation…

Temporalité

• Voyage dans le temps
• Boucle temporelle
• Univers parallèles, multivers…

Société et politique

• Dystopie : avenir sombre, totalitarisme, surveillance des citoyens, lutte des classes
• Utopie : avenir lumineux, développement durable, low tech…

Catastrophes

• Post-apocalyptique : survie après une catastrophe majeure
• Effondrement : écologique ou économique, voire les deux…

Comme en romance, il est difficile d’échapper aux tropes car tous les thèmes (ou presque) ont déjà été traités dans ces genres. Les tropes ne sont pas forcément une mauvaise chose : ils permettent aux lecteur·rice·s potentiel·le·s de savoir facilement de quoi parle l’histoire et de déterminer si elle pourrait leur plaire.

L’important est de s’éloigner en revanche des clichés et situations vues et revues dans la littérature comme dans les films. Surprendre ses lecteur·rice·s reste possible, même en écrivant une histoire sur une thématique qui a déjà été traitée de nombreuses fois.

À découvrir : les publications de Stella Incognita, association visant à promouvoir et développer la recherche sur la science-fiction.

Quelques façons de surprendre et d’apporter de l’originalité à votre histoire de SF

• Renverser les clichés. Par exemple au lieu d’imaginer une IA hors de contrôle qui nuit aux humains, faites reposer votre intrigue sur la question inverse : « Et si une IA refusait d’obéir… mais pour protéger l’humanité ? »
• Apporter de la nuance aux personnages. Un antagoniste ou un héros ni bons ni mauvais permet d’obtenir une histoire plus complexe, réaliste et ambivalente, qui s’affranchit des stéréotypes.
• Mélanger les genres ou sous-genres pour obtenir un ouvrage vraiment original et surprenant : par exemple l’autrice Héloïse Brézillon a écrit des recueils de poésie de science-fiction : T3M et Périod2.
• Adopter un point de vue inhabituel (celui de l’IA ou d’une planète consciente) ou jouer avec la structure du récit (temps non linéaire, récits imbriqués…)
• Jouer avec les lecteur·rice·s et leurs suppositions sur la suite de l’histoire : grâce à des procédés narratifs, comme le hareng rouge ou les plot twists, il est possible de les surprendre…

3. Réfléchir à un univers de science-fiction cohérent

Même si votre univers est différent de la réalité, il doit être crédible et doit obéir à des règles. La technologie doit être « explicable » : pourquoi a-t-elle été créée ? Comment ça marche ? Quelles sont ses limites et les conséquences sur la société ?

Attention à l’accumulation de concepts et de mots nouveaux, qui a tendance à diluer le propos et perdre les lecteur·rice·s. Mieux vaut se concentrer sur quelques-uns et se focaliser sur leurs conséquences sur l’intrigue. Il n’est pas rare que les auteur·rice·s débutant·e·s en littérature de l’imaginaire veuillent créer un univers très fourni dans lequel tout est différent de notre monde. Mais il est alors impossible de tout expliquer sans inonder ses lecteur·rice·s d’informations. Mais aussi et surtout, d’utiliser tous les ressorts narratifs créés par ces concepts novateurs.

4. Définir son message

La science-fiction est un genre plutôt engagé. Bien souvent, il questionne ou dénonce de manière symbolique notre société actuelle. Et imagine les dérives possibles de notre monde dans le futur.

Ce genre intègre donc un côté philosophique et une morale implicite, ou du moins un message. Ce message est induit notamment par le comportement des personnages et la fin, généralement. C’est pourquoi il est intéressant de vous questionner avant même de bâtir l’intrigue, sur le message que vous aimeriez transmettre à travers votre fiction. Est-ce un message d’espoir, un appel à la rébellion, un avertissement ? Clarifier vos intentions vous permettra de donner une direction claire à votre histoire.

5. Construire son intrigue de science-fiction

Construire une intrigue de science-fiction efficace commence par une idée centrale forte, souvent formulée sous forme de question commençant par “et si ?”. Cette hypothèse sert de point de départ à la construction de votre intrigue, en générant un conflit clair et structurant. Pour écrire un roman SF captivant, vous pouvez vous appuyer sur une structure narrative. Il en existe plusieurs très célèbres comme la structure en 3 actes ou encore le cercle narratif de Dan Harmon. Ces structures sont simplement des versions revisitées et détaillées du schéma narratif classique, contenant : situation initiale, élément déclencheur, péripéties, climax et résolution.

Quoiqu’il en soit, chaque étape doit découler logiquement de votre concept de départ afin de garantir la cohérence du récit futuriste et de maintenir l’intérêt des lecteur·rice·s. Une intrigue de science-fiction réussie repose également sur des enjeux humains forts. Même dans un univers technologique ou imaginaire, ce sont les choix, les dilemmes et l’évolution des personnages qui donnent du relief à votre histoire. Adaptation, rébellion, sacrifice… c’est la réaction du protagoniste face aux événements de votre histoire qui la rend intéressante.

6. Faire des choix narratifs pertinents : point de vue, temps du récit

Comme pour tout roman, le choix du narrateur (interne, externe, omniscient) influence la perception de votre univers et le degré d’immersion des lecteur·rice·s. Une narration interne (à la première personne) favorise l’émotion, tandis qu’un point de vue plus large (à la troisième personne) permet d’explorer des enjeux complexes externes aux personnages. Il est aussi possible d’opter pour le roman choral, autrement dit l’alternance des points de vue internes de plusieurs personnages.

Le temps du récit est également un levier essentiel. Le passé est le temps le plus couramment utilisé en littérature de l’imaginaire, car il donne une impression de distance temporelle avec les événements racontés. Le présent au contraire, donne un effet d’immédiateté, d’action en direct. Le choix du temps utilisé doit donc être mûrement réfléchi, en fonction de l’effet que vous aimeriez produire sur vos lecteur·rice·s.

Il est nécessaire de réfléchir à ces aspects avant de vous lancer dans l’écriture, car ils sont déterminants dans la façon dont l’histoire sera racontée et perçue par les lecteur·rice·s.

7. Réussir le début de l’histoire

Les premières pages d’un roman de science-fiction sont particulièrement importantes pour accrocher les lecteur·rice·s. L’erreur la plus fréquente chez les auteur·rice·s : l’infodumping qui noie les lecteur·rice·s sous des explications interminables sur l’univers, le contexte et les différences entre ce monde et celui que l’on connaît.

Le narrateur n’a pas à présenter son environnement et son entourage à la manière d’un guide touristique, c’est le meilleur moyen de donner à l’histoire un côté artificiel. Il est plus efficace que les lecteur·rice·s découvrent par eux-mêmes au fil de l’histoire les règles de votre univers à travers l’action et les dialogues. C’est d’ailleurs ce qui crée un peu de suspense, lorsque le début pose des questions et que les réponses arrivent plus tard dans l’histoire.

Le prologue, quant à lui, n’est pas à considérer comme une introduction dans laquelle on glisse justement toutes les informations nécessaires à la compréhension des lecteur·rice·s avant que l’histoire ne débute. Il peut être un allié précieux pour poser une ambiance ou un mystère, mais il devient vite un frein s’il surcharge le récit ou détourne de l’intrigue principale.

Comment bien délimiter le début et la fin de l’histoire ?

Enfin, réussir le début du roman suppose de savoir cadrer votre histoire. Dès la création de l’intrigue, identifiez où commence l’histoire et où elle finit. Ce n’est pas aussi évident qu’il n’y paraît : certains romans commencent trop tôt, bien avant que l’action ne démarre vraiment, et se terminent trop tôt ou trop tard. Dans son ouvrage Comment écrire de la Fantasy et de la science-fiction ? Orson Scott Card donne quelques pistes à ce sujet à l’aide de sa méthode MIPE (Milieu, Idée, Personnage, Événement). Il distingue quatre types d’intrigues de SF différentes, reposant majoritairement sur :

• le Milieu (dans le sens l’univers, le monde) : par exemple une société ou une planète.
• une Idée (une question, par exemple) : un mystère, une énigme…
• un Personnage : l’histoire se focalise sur la transformation/l’évolution personnelle du héros
• un Événement (une catastrophe, la fin du monde…) : l’ordre du monde est bouleversé.

Selon ces quatre types d’histoires, il propose de « cadrer » l’histoire ainsi :

• Milieu : le début correspond à l’arrivée du personnage dans ce monde, la fin à son départ (ou son choix de rester).
• Idée : le début pose la question centrale et la fin apporte la réponse à la question.
• Personnage : le début montre l’état du personnage, la fin montre sa transformation.
• Événement : le début montre les conséquences du bouleversement, la fin montre qu’un ordre nouveau s’est établi.

Écrire un recueil de nouvelles de SF ou un roman de SF

Quelles différences ?

Écrire un recueil de nouvelles de science-fiction ou un roman SF implique des approches très différentes. Dans une nouvelle, vous devez aller droit au but : une idée forte, peu de personnages, et une intrigue resserrée qui repose souvent sur un seul concept ou un retournement de situation marquant. Le format court vous oblige à aller à l’essentiel et à suggérer votre univers en quelques touches efficaces.

À l’inverse, un roman de science-fiction permet de développer un monde plus riche, des arcs narratifs multiples et une évolution plus profonde des personnages, avec une progression plus lente et détaillée. Le choix entre les deux dépend donc de votre objectif : tester des concepts variés et percutants, ou construire une histoire immersive et développée dans un univers de science-fiction riche en détails.

Les nouvelles et fix-up en science-fiction

Depuis quelques années, le recueil de nouvelles retrouve un certain lectorat en France. Le succès des séries télévisées comme Black Mirror ou Love, Death and Robots y est peut-être pour quelque chose.

Il s’agit de courts épisodes d’anticipation indépendants, qui seraient l’équivalent en littérature à des nouvelles de SF. Chaque épisode explore un concept, et il n’est pas rare que la fin soit une chute, comme dans beaucoup de nouvelles. C’est un format populaire, court et efficace, qui ne nécessite pas un long développement de l’univers et des personnages. Ce qui correspond bien aux spectateur·rice·s et lecteur·rice·s d’aujourd’hui, qui ont un temps de concentration de plus en plus limité et sont habitué·e·s aux contenus courts et rapides.

Il existe aussi un genre méconnu que l’on appelle le fix-up. Il consiste en une succession d’histoires sur un même thème, mais utilisant le même univers et les mêmes personnages. En cela, il se situe entre le roman et le recueil de nouvelles, car on peut aussi les considérer comme des chapitres d’un même roman, que l’on peut lire dans l’ordre de son choix. Cette forme est plutôt rare, mais on retrouve plusieurs fix-up de science-fiction. C’est le cas par exemple des Chroniques martiennes de Ray Bradbury.

Publier de la science-fiction : nos conseils

En maison d’édition

Les maisons d’édition de SF recherchent des manuscrits aboutis, avec un univers cohérent et une vraie originalité. Il est essentiel de cibler les éditeurs dont la ligne éditoriale correspond à votre manuscrit. Et de respecter les consignes d’envoi, généralement indiquées sur leur site Internet.

L’édition traditionnelle offre un accompagnement éditorial et une meilleure visibilité, mais demande patience et persévérance face aux délais et aux refus. Il existe aussi régulièrement des appels à textes sur des thématiques particulières : cela peut être une bonne opportunité si votre manuscrit y correspond ou bien si le thème vous inspire.

Quelques maisons d’édition qui publient de la science-fiction :

• L’Atalante
• La Volte
• Le Bélial’
• Aux Forges de Vulcain
• Dandelion
• Mnémos
• Critic…

Lire aussi : Comment soumettre un manuscrit à des maisons d’édition ?

En auto-édition

L’auto-édition constitue une alternative plus rapide et flexible pour publier votre ouvrage. Vous gardez le contrôle sur votre texte, votre couverture et votre stratégie de diffusion, notamment via des plateformes comme BoD.

Vous vous impliquez en revanche davantage dans le processus de création du livre, puisqu’il s’agit de prendre en charge vous-même la correction, la mise en page et la promotion de l’ouvrage. Bien sûr, vous pouvez pour cela vous entourer de professionnel·le·s indépendant·e·s (correcteur·rice, maquettiste…) ou faire appel aux services éditoriaux de BoD.

Réussir en auto-édition demande donc de savoir gérer un projet de A à Z et des compétences en communication pour toucher efficacement vos lecteur·rice·s. Participer à des salons du livre spécialisés dans la littérature de l’imaginaire vous permet de trouver un lectorat et de vendre vos livres en direct.

3 romans de SF publiés chez BoD

Rappel des codes de la nouvelle

La nouvelle est un court texte dont l’histoire se déroule généralement dans un temps limité. Lorsqu’elle présente une tranche de vie, elle se focalise sur une scène ou un événement précis au cours d’une journée. Contrairement au roman, la nouvelle n’a qu’une seule intrigue et ses personnages n’ont pas besoin d’être très travaillés. En effet, le texte n’est pas assez long pour faire connaissance avec eux en profondeur.

Mieux vaut donc se concentrer sur le style ou sur l’histoire. Une nouvelle marque ses lecteur·rice·s le plus souvent par la thématique abordée, qui amène une réflexion sur notre époque. Ou encore par sa fin : les nouvelles à chute sont très appréciées car elles apparaissent alors comme un tour de force stylistique.

À lire aussi : Écrire une nouvelle réussie, nos 5 conseils

Écrire une nouvelle avec un thème imposé

La nouvelle est un bon exercice pour qui veut entraîner sa plume. De nombreux concours de nouvelles existent, et la plupart imposent un thème. C’est une contrainte, mais la contrainte est créative !

Elle permet de vous donner une direction, de vous inspirer. Mais aussi de vous faire sortir de votre zone de confort en allant dans des directions que vous n’auriez peut-être jamais prises d’ordinaire. Cela vous entraîne également à rédiger un texte de commande avec une thématique imposée, mais aussi un nombre de mots et un temps imparti. C’est ainsi que fonctionnent certaines maisons d’édition.

L’idéal quand on participe à un concours de nouvelles ou un appel à textes est d’écrire une histoire sur mesure à partir du thème et non d’adapter un manuscrit déjà existant. La thématique doit être centrale. Il faut faire appel à sa créativité pour se démarquer des autres textes, ne pas aller vers la facilité.

À lire aussi : Pourquoi vous devriez participer à un concours d’écriture

Le thème 2026 : « Partie(s) de cache-cache »

Pour cette édition 2026 de notre Prix de la Nouvelle, nous avons opté pour le thème « Partie(s) de cache-cache ».

Petit mensonge, gaffe, malentendu, faux-pas, dissimulation, non-dit… Il arrive que certains actes manqués, prémédités ou simplement accidentels soient lourds de conséquences et entraînent leur auteur·e dans une situation inattendue, cocasse voire inextricable. Toute la question est de savoir comment reprendre le contrôle et redresser la situation… ou pas !

L’erreur est humaine, dit-on. À vous d’imaginer la vôtre !

Les 5 conseils du président du jury

1. Plantez rapidement le décor

Inspirez-vous d’un lieu que vous connaissez.

2. Utilisez les temps à bon escient

Préférez l’emploi du passé pour la narration et le présent pour décrire une action ou des sentiments.

3. N’abusez pas des dialogues

Ils doivent avoir une réelle utilité.

4. Optez pour le style indirect libre

Le lecteur pourra ainsi plus facilement s’identifier aux personnages.

5. Soignez la chute !

Si le début intrigue, la fin, elle, doit surprendre.

L’expérience de Grégory Clément, lauréat du Prix de la Nouvelle 2025

Ce qui m’a poussé à participer ? Une nouvelle écrite presque d’un souffle, Les Gardiens du Silence, et l’envie de lui donner une chance d’exister au-delà de mon ordinateur. Le concours BoD & Femme Actuelle m’a semblé le bon cadre : sérieux, accessible, avec un jury de qualité.

Cela m’a apporté beaucoup plus que je ne l’imaginais. Être lu et reconnu par un jury présidé par Philippe Delerm a changé la façon dont je me percevais en tant qu’auteur. On écrit souvent seul et dans le doute. Ce type de reconnaissance dit que ce que j’écris a de la valeur. Ça compte.

Maintenant, je travaille depuis plus d’un an sur mon premier roman, Le clan des Brevelles, une fiction utopique qui explore un futur possible où les humains ont choisi de s’organiser autrement. Je finalise le manuscrit en ce moment en vue d’une soumission à des éditeurs. Par ailleurs, la publication de ma nouvelle a eu un effet inattendu : une connaissance m’a contacté après l’avoir lue pour me proposer un projet d’écriture commun. Il s’agit de la mise en forme littéraire de ses rêves, qu’elle consigne de façon factuelle depuis qu’elle sait écrire. Un projet ambitieux encore en balbutiement et qui me tient à cœur.

Participer au concours : les infos pratiques

Thème : Partie(s) de cache-cache

Longueur de la nouvelle : 15 000 signes maximum, espaces comprises

Date limite de participation : 31 août 2026

Lot : Parution dans le numéro Femme Actuelle Jeux Géant de décembre 2026 et un abonnement Premium d’un an à la plateforme d’écriture WriteControl.

Conditions de participation : Le texte doit être inédit. Les participant·e·s s’engagent à préciser s’ils/elles ont eu recours ou non à l’IA pour écrire leur nouvelle. Nous acceptons tous les genres (romance, polar, science-fiction, etc.). Il n’y a pas de contrainte géographique ni de contrainte de nationalité pour participer. Retrouvez le règlement complet ici.

Jury : Philippe Delerm, Femme Actuelle Jeux Géant, éditions Prisma, BoD, Charlotte du compte Bookstagram @carnet_litteraire

Comment participer : Envoyez-nous votre nouvelle au format Word ou PDF à marketing(at)bod(dot)fr en mentionnant votre nom et prénom. 

Annonce des résultats : Les participant·e·s recevront un email à l’automne (probablement au courant du mois d’octobre) et le texte gagnant sera également annoncé sur nos réseaux sociaux ainsi que dans l’article Prix de la Nouvelle BoD : les résultats !

Pourquoi tout le monde peut écrire une histoire

Que vous souhaitiez écrire une une histoire pour enfants, une nouvelle, un roman ou encore une fanfiction, quel que soit votre niveau d’expérience en écriture, il n’est jamais trop tard pour vous lancer.

Ne vous demandez pas si vous avez du talent ou non pour ça. Écrire demande avant tout de la créativité, un peu de méthode et de la motivation. Et surtout de l’apprentissage. Comme n’importe quelle activité ou passion, certaines personnes se lancent sans rien apprendre et parviennent, par instinct ou mimétisme, à obtenir un résultat honorable.

Mais dans la plupart des cas, mieux vaut apprendre, soit en autodidacte, soit en suivant les conseils de quelqu’un d’expérimenté.

Il est possible d’apprendre à écrire une histoire de différentes façons :

• en lisant des histoires et en observant comment elles sont construites
• en se renseignant sur les procédés narratifs dans des livres de narratologie
• en suivant des formations d’écriture
• en pratiquant l’écriture créative, lors d’ateliers d’écriture ou chez soi grâce à des jeux d’écriture…

Quoi qu’il en soit, c’est en vous exerçant que vous améliorerez votre plume et affinerez votre style d’écriture. Il est tout à fait normal que vos premiers écrits soient imparfaits et que vous traversiez des périodes de doute. Mais le secret pour devenir écrivain, si tel est votre désir, réside dans la persévérance !

Retrouvez ici tous nos conseils pour écrire une histoire, que vous souhaitiez vous professionnaliser dans l’écriture, ou simplement écrire pour vous par plaisir des mots.

Comment trouver l’inspiration pour inventer une histoire ?

Tout peut vous inspirer une idée d’histoire : une anecdote que vous avez vécue, un reportage sur un sujet qui vous a marqué, une phrase que vous avez entendue…

Notez dans un carnet toutes ces petites choses qui vous inspirent : peut-être qu’un jour, vous en développerez une qui fera une bonne histoire.

Pour stimuler votre imagination, vous pouvez participer à des jeux d’écriture ou encore à des concours de nouvelles. Leur point commun : il y a généralement un thème imposé ou une contrainte, qui fait office de déclencheur.

Les 5 étapes pour écrire une histoire

1. Trouver une idée d’histoire

La première étape pour écrire une histoire consiste à trouver une idée de départ. Il peut s’agir d’une situation, d’un personnage ou d’une simple question comme “et si… ?”. Peut-être souhaitez-vous traiter d’un thème en particulier ou encore romancer une partie de votre propre histoire ?

Pas besoin d’avoir un scénario complet dès le début : une idée simple suffit pour lancer votre imagination et faire germer toute une histoire. Notez vos différentes idées, vous pourrez faire le tri ou les organiser par la suite.

2. Créer des personnages

La plupart des bonnes histoires reposent avant tout sur de bons personnages, et notamment un : le héros ou l’héroïne. Pour travailler en profondeur votre protagoniste, réfléchissez bien sûr à son caractère, son passé et son apparence physique.

Cependant, veillez à aller plus loin que les clichés et à donner à votre héros des qualités mais aussi des défauts et des failles. C’est ce qui fait son humanité, son réalisme, mais ce qui crée aussi toute l’histoire. Car c’est autour des défauts et des failles que se tisse l’intrigue. L’histoire va mettre à mal le personnage et le pousser à évoluer.

De la même façon, posez-vous ces quelques questions :

• quel personnage de l’histoire ferait le meilleur protagoniste de l’histoire ? (C’est souvent celui qui a le plus à perdre)
• quel est son objectif dans l’histoire ?
• quel est l’enjeu s’il n’atteint pas cet objectif ? (C’est ce qui va créer le suspense)
• quels sont les obstacles qu’il va rencontrer ?
• quelle est son évolution entre le début et la fin de l’histoire ?

Ainsi vous vous assurez de créer un bon protagoniste, et son histoire devient intéressante et cohérente.

3. Structurer son histoire

Tou·te·s les auteur·rice·s ne le font pas, mais il est plutôt conseillé de planifier son histoire avant de l’écrire. Ainsi vous vérifiez, avant de passer à l’étape de rédaction, que votre intrigue « tient la route ». Et vous évitez de subir un blocage d’écriture après les vingt premières pages parce que vous ne savez pas comment continuer votre histoire.

Pour cela, commencez à réfléchir temps forts de votre histoire :

• le début : présentation des personnages et du contexte
• le milieu : développement du conflit et des péripéties
• la fin : résolution de l’histoire.

Vous pouvez vous aider d’une méthode comme la méthode Flocon pour réussir à développer une intrigue complète à partir d’une simple idée. Ou encore bâtir l’intrigue d’après une certaine structure narrative. Il en existe plusieurs, selon le genre d’histoire que vous voudriez écrire, comme le voyage du héros pour un roman Fantasy, par exemple.

La structure narrative est comme le squelette d’une histoire. Elle vous aide à garder un fil conducteur clair. Il ne vous reste plus qu’à vous l’approprier et imaginer le reste pour en faire une vraie histoire. Cela vous permet en tout cas de créer une intrigue cohérente, bien proportionnée et avec un certain rythme. Ce qui est essentiel pour garder l’attention de vos lecteur·rice·s.

Si vous souhaitez aller encore plus dans le détail (vous êtes peut-être ce que l’on appelle un·e auteur·rice « architecte », qui aime planifier l’intrigue de A à Z), vous pouvez créer un véritable plan chapitre par chapitre ou même scène par scène. Vous écrivez alors un résumé en quelques lignes ou en quelques points sur le contenu de chaque chapitre. Pour cela, nous recommandons l’outil d’écriture WriteControl (gratuit) et son outil de structuration en chapitres.

Bien sûr, ce plan sera peut-être amené à être revu et ajusté en cours d’écriture, mais cela vous donne déjà une base solide pour vous lancer dans l’écriture en évitant les principales embûches. En effet, être « auteur·rice jardinier (ou jardinière) », c’est-à-dire écrire au fil de la plume sans préparation, est aussi possible. Certain·e·s auteur·rice·s célèbres disent ne rien prévoir à l’avance et se laisser surprendre par leurs personnages. Cela dépend des personnalités et chacun·e doit trouver la méthode qui lui correspond.

Mais si vous débutez dans l’écriture, vous risquez de commencer trop vite à écrire sans avoir suffisamment creusé votre histoire et vos personnages. Et cela mène, dans la plupart des cas, au syndrome de la page blanche et à un abandon du manuscrit après quelques pages ou chapitres.

4. Rédiger le premier jet

Une fois votre plan en place, passez à l’écriture. Ne cherchez pas à écrire une histoire parfaite dès le départ. L’objectif du premier jet est d’avancer et de poser vos idées. Vous pourrez toujours améliorer votre manuscrit par la suite.

Là encore, il y a plusieurs façons de faire, mais certaines personnes préfèrent écrire le premier jet sur une période relativement courte (disons entre un et trois mois). Et ce, sans forcément relire chaque chapitre précédent avant d’écrire le suivant. Car dans ce cas, la tentation est forte de sans cesse revenir en arrière pour corriger, réécrire et améliorer le début. C’est quelque chose qui risque de vous décourager, en plus de vous faire stagner.

Plus les séances d’écriture seront espacées dans le temps, plus il sera difficile de vous y remettre à chaque fois. En effet, il faudra le temps de vous remplonger dans l’histoire et de vous remémorer vos idées. Mais également, l’écriture est un muscle : plus vous pratiquez régulièrement, plus cela devient naturel pour vous.

C’est pourquoi tant de personnes participent chaque année au challenge du National Novel Writing Month (NaNoWriMo), le mois national d’écriture de roman, qui consiste à écrire un roman de 50 000 mots en un mois : le mois de novembre. L’association officielle et internationale n’existe plus mais le concept a été repris en France par WriteControl qui organise le NaNoWriCo.

C’est une bonne expérience qui vous pousse à écrire votre roman en un temps relativement court et vous permet de bénéficier de l’émulation collective pour vous motiver.

5. Relire et améliorer son histoire

La dernière étape pour écrire une histoire consiste à relire et retravailler votre texte. Corrigez les fautes, reformulez les phrases qui vous paraissent maladroites et supprimez les passages inutiles.

WriteControl peut là encore vous aider à cette étape grâce à ses fonctionnalités linguistiques ou encore son assistant d’écriture. Vous pouvez aussi très bien faire appel à des bêta-lecteur·rice·s qui vous feront des retours constructifs sur votre manuscrit et vous aiderons à faire des choix pour améliorer votre roman et en corriger les défauts. C’est grâce à cette phase de réécriture que votre histoire gagne en qualité et en fluidité.

Les 5 erreurs à éviter quand on veut écrire une histoire

Les embûches peuvent être nombreuses quand on débute dans l’art d’écrire une histoire. Voici quelques erreurs fréquemment commises par les auteurs et autrices débutant·e·s :

1. Vouloir aller trop vite

Comme on l’a évoqué dans cet article, ne pas suffisamment travailler ses personnages et son intrigue avant de passer à la rédaction pose souvent des problèmes par la suite. Et peut mener à un abandon du manuscrit avant d’avoir pu le finir.

Imaginer l’histoire et la laisser mûrir dans son esprit fait aussi partie du processus, ne vous précipitez pas ! Mieux vaut ne pas négliger le travail préparatoire. Comme n’importe quel projet, l’organisation est bien souvent la clé de la réussite.

L’écriture demande de la patience et de la persévérance. Comme on dit : Rome ne s’est pas faite en un jour. C’est pourquoi il vous faudra écrire régulièrement pour mener votre projet à son terme. Et ce, sans vous décourager.

2. Viser la perfection dès le début

Tout premier jet est imparfait. Si vous trouvez votre manuscrit mauvais à la relecture, c’est tout à fait normal. Même les auteur·rice·s publié·e·s en maison d’édition sont obligé·e·s de retravailler leur texte, parfois même plusieurs fois, avant que celui-ci ne soit publiable.

C’est un long travail, mais qui peut aussi être agréable si vous prenez le temps de l’apprécier. C’est l’étape où vous bénéficiez de conseils pertinents de la part de bêta-lecteur·rice·s (amateur·rice·s ou professionnel·le·s) et où vous prenez soin de peaufiner chaque détail. Ajouter ou retirer des scènes, améliorer vos formulations de phrases. Cela peut être très stimulant.

3. Raconter au lieu de montrer

Il existe une règle d’écriture qu’on appelle en anglais « Show, don’t tell« , autrement dit « montre, ne dis pas ». En effet, beaucoup d’auteur·rice·s amateur·rice·s ont tendance à écrire un roman comme on raconterait une histoire à l’oral. C’est-à-dire en rapportant des faits passés en les résumant.

Or, la narration d’un roman fonctionne différemment. Cela se rapproche plus du cinéma : un roman montre des scènes. Les actions doivent être vécues par les lecteur·rice·s comme s’ils y étaient, les dialogues sont rapportés directement, les émotions sont décrites et non dites.

Voici un exemple :

Ce qu’il faut éviter : dire (résumer l’histoire)

Marie passa une mauvaise journée au travail. Son patron était injuste et elle rentra chez elle épuisée et énervée.

Ce qu’il faut faire : montrer (faire vivre la scène)

— Ce rapport est inutilisable, lança son patron en laissant tomber le dossier sur le bureau.
Marie fixa les pages couvertes d’annotations rouges. Elle pinça les lèvres.
— Je vous l’avais demandé pour hier, ajouta-t-il sans la regarder.

Dans le métro du retour, Marie resta debout, serrée entre deux inconnus. Elle relut le message sur son téléphone, puis verrouilla l’écran d’un geste sec. Arrivée chez elle, elle laissa tomber ses clés sur la table et s’assit sans même enlever son manteau.

4. Négliger le réalisme

Il n’est pas rare quand on écrit sa première histoire de prendre le chemin de la facilité en tombant dans les stéréotypes et clichés, les intrigues trop convenues… De décrire ses personnages de façon très basique, seulement par la couleur de leurs yeux ou de leurs cheveux. Ou alors que la résolution de l’histoire soit trop facile : on parle de deus ex machina lorsqu’un personnage ou un événement viennent tout résoudre comme par magie, sans que les lecteur·rice·s l’aient vu venir.

Ces défauts contribuent malheureusement au manque de réalisme et de crédibilité de l’histoire. C’est quelque chose qui peut pousser les lecteur·rice·s à abandonner le livre avant de l’avoir terminé. C’est pourquoi, mieux vaut encore une fois planifier votre histoire à l’avance pour vous assurer de ne pas choisir la voie la plus simple. « Surprendre son lecteur est une politesse », comme le dit si bien l’auteur Bernard Werber.

Travaillez en profondeur vos personnages pour les rendre aussi crédibles que si vous les connaissiez dans la « vraie vie ». Et faites des recherches sur les sujets que vous ne maîtrisez pas pour vous renseigner au maximum. Car écrire un roman, c’est créer une illusion. Faire vivre une histoire à vos lecteur·rice·s. Vous êtes le magicien et ils doivent croire à votre tour de magie sans voir les ficelles, sinon c’est raté.

5. Fournir trop d’explications

Le piège classique est d’inonder les lecteur·rice·s d’informations dès le début de l’histoire, que ce soit sur le passé de votre personnage, le contexte ou encore l’univers Fantasy que vous avez créé. On appelle cela l’info dumping.

C’est non seulement lourd à lire, mais aussi à retenir. Et ce n’est pas très engageant. Le mieux est donc de commencer l’histoire directement au cœur de l’action (début in medias res) et de distiller les informations de manière subtile tout au long de l’histoire.

Pour cela, pensez à la règle du show, don’t tell : préférez montrer plutôt qu’expliquer. Vos lecteur·rice·s sont suffisamment intelligent·e·s pour déduire un certain nombre d’informations eux-mêmes d’après le contexte que vous leur donnerez au fil de l’histoire.

Mais on pourrait citer bien d’autres erreurs, comme écrire des dialogues trop théâtraux, écrire une histoire qui manque de suspense, écrire un roman trop long ou au contraire trop court… Consultez nos articles de conseils d’écriture pour en savoir plus :

5 conseils pour écrire un dialogue de roman
Écrire un page turner : maîtriser l’art du suspense
Comment améliorer son roman ? 10 défauts à corriger

Et après ? Transformer son histoire en livre

Une fois votre histoire terminée, pourquoi ne pas aller plus loin et la transformer en livre ? Grâce à l’impression à la demande, il est possible d’imprimer son propre livre, et ce à petit prix et à partir d’un exemplaire.

Vous pouvez même publier votre roman. En effet, aujourd’hui, l’auto-édition permet à chacun d’éditer et d’imprimer son livre facilement, sans passer par une maison d’édition traditionnelle. C’est l’étape idéale pour donner vie à votre histoire et la partager avec vos lecteurs et lectrices !

Pour cela, une plateforme de publication peut vous faciliter la vie et vous éviter des coûts de stockage d’exemplaires de livres et de logistique. BoD vous propose différentes formules de publication, adaptées à tous les besoins et tous les budgets.