On peut considérer le prologue comme une scène à part du roman. Une sorte de chapitre bonus qui précède l’histoire et qui, si elle n’est pas indispensable, permet aux lecteurs et lectrices d’entrer dans l’histoire. Mais aussi de « préparer le terrain » en donnant une information, ou bien d’introduire un mystère destiné à captiver leur attention.

Si prologue signifie d’après son étymologie « ce qui précède le discours« , il diffère d’une introduction. En effet, le prologue fait donc partie intégrante de l’histoire et relève de la fiction, contrairement à l’avant-propos, la préface ou l’introduction qui appartiennent à ce que l’on appelle les paratextes. C’est-à-dire ces textes en marge de l’histoire. Ce sont des pages liminaires, dans lesquelles s’expriment l’auteur·rice, l’éditeur·rice ou encore une personne extérieure à propos du livre. Dans le prologue en revanche, c’est bien le ou la narrateur·rice qui parle.

Les différents types de prologues

Il y a différents types de prologues mais on peut en citer trois principaux.

Le flashback

Le flashback est un retour dans le passé, même si la scène est montrée comme si elle se produisait dans le présent. Il est assez fréquent dans les romans Fantasy que le prologue soit un flashback montrant la genèse d’un monde, l’origine d’une malédiction ou d’une prophétie, ou tout événement fondateur.

Cet événement est montré avant même le début de l’histoire pour poser les bases et le contexte de l’univers qui sera présenté. Mais le prologue flashback peut aussi avoir sa place dans tout autre genre de roman, s’il s’avère pertinent dans la narration.

Le flashforward

À l’inverse du flashback, le flashforward est un bond dans le futur. Un prologue flashforward permet d’intriguer en montrant, comme par le trou de la serrure, une bribe de la suite de l’histoire, et notamment un moment-clé qui suscite des questions.

Dans le chapitre 1, c’est comme si on rembobinait le film pour retracer le fil de l’histoire jusqu’à ce moment-clé. Ce type de prologue est beaucoup utilisé dans le genre du polar et du thriller. C’est par exemple le cas dans le roman La Femme de ménage de Freida McFadden. Dans le prologue en effet, la police est là et découvre ce que l’on suppose être un corps ou une scène de crime. Et le ou la narrateur·rice paraît coupable…

Une perspective différente

Le prologue étant un peu à part de l’histoire, c’est parfois un bon moyen de commencer en présentant la perspective d’un autre narrateur : un personnage secondaire, l’antagoniste, ou tout simplement un narrateur externe à l’histoire. Le roman peut même être un récit enchâssé. C’est-à-dire une histoire dans l’histoire.

Par exemple, dans le prologue du roman La Jeune Fille sur la falaise de Lucinda Railey, le prologue a pour narratrice Aurora, la jeune fille sur la falaise, âgée de 8 ans. Elle se présente et explique qu’elle va ici raconter son histoire et celle de sa famille. À partir du chapitre 1, la narration passe en focalisation externe. L’héroïne n’est pas Aurora mais une autre femme : Grania Ryan.

Mon roman a-t-il besoin d’un prologue ?

Tout roman n’a pas nécessairement besoin d’un prologue. Avant d’écrire un prologue, demandez-vous s’il apporte une véritable valeur ajoutée à votre histoire. Son rôle est de donner au lecteur une information essentielle qu’il ne pourrait pas découvrir aussi efficacement dans le premier chapitre : un événement passé déterminant, un secret, une scène mystérieuse ou un élément de contexte indispensable à la compréhension de l’intrigue. Bien utilisé, le prologue peut éveiller la curiosité, créer du suspense et donner envie de poursuivre la lecture.

En revanche, si votre prologue sert uniquement à présenter vos personnages, à expliquer l’univers de votre roman ou à raconter des événements que vous pourriez intégrer naturellement au récit, il n’est probablement pas indispensable. Un bon début de roman doit capter l’attention du lecteur, avec ou sans prologue. Pour savoir si vous devez en écrire un, posez-vous cette question : mon histoire serait-elle moins claire, moins intrigante ou moins percutante sans ce passage ? Si la réponse est non, commencez directement par le premier chapitre. Gardez à l’esprit qu’un prologue efficace enrichit l’histoire sans ralentir son démarrage.

3 conseils pour écrire un bon prologue

1. Faites court : un prologue efficace va droit au but

Pour écrire un bon prologue de roman, privilégiez la concision. Une à cinq pages suffisent généralement pour installer une ambiance, présenter un événement marquant ou éveiller la curiosité du lecteur. L’objectif n’est pas de raconter toute l’histoire avant le premier chapitre, mais de donner envie de la découvrir. Chaque phrase doit donc avoir une utilité : apporter une information importante, créer une émotion ou faire naître une question. Si votre prologue s’étire sans apporter de véritable valeur ajoutée à l’intrigue, n’hésitez pas à le raccourcir.

2. Évitez l’infodumping : distillez les informations avec subtilité

L’une des erreurs à éviter lorsqu’on écrit un prologue est de vouloir tout expliquer dès les premières pages. Présenter l’ensemble de l’univers, détailler le passé des personnages ou exposer toutes les règles d’un monde imaginaire risque de submerger le lecteur avant même que l’histoire commence. C’est ce que l’on appelle en anglais l’infodumping. Pour réussir votre prologue, privilégiez les informations essentielles à la compréhension de la scène. Vous pourrez dévoiler les autres éléments progressivement, au fil du récit. Le mystère et les questions sans réponse sont souvent bien plus efficaces qu’une longue explication : ils incitent le lecteur à poursuivre sa lecture pour en savoir plus.

3. Accrochez le lecteur dès les premières lignes

Un bon prologue de roman doit immédiatement capter l’attention. Pour cela, vous pouvez commencer par un événement inattendu, une situation dangereuse, une révélation troublante ou un dialogue intrigant. L’essentiel est de susciter une émotion ou une question qui donne envie de tourner la page. Évitez les débuts trop descriptifs ou les longues introductions qui retardent l’entrée dans l’action. Pensez également à terminer votre prologue sur une note intrigante, une révélation ou un élément de suspense qui donne envie de découvrir le premier chapitre. Votre lecteur doit avoir une bonne raison de continuer l’aventure à vos côtés.

C’est pourquoi nous avons rassemblé dans cet article 15 des meilleurs conseils d’écriture de roman à connaître pour se lancer et progresser en écriture. Que vous soyez écrivain·e débutant·e ou confirmé·e, auteur·rice architecte ou jardinier·ère, ces principes vous aideront à mieux construire vos histoires et affirmer votre style.

Les 15 conseils d’écriture à suivre pour écrire un roman

1. Lisez beaucoup et de manière analytique

La lecture vous inspire non seulement de nouvelles histoires à raconter, mais vous aide aussi à vous imprégner de la mécanique d’un récit. C’est en observant comment vos romans préférés sont écrits que vous comprendrez comment on bâtit une scène ou un chapitre.

2. Commencez par pratiquer l’écriture créative

Débuter en écriture directement par la rédaction d’un roman peut s’avérer être un exercice difficile. Parce que cela implique de maîtriser à la fois la construction d’une intrigue et de développer un style qui vous est propre. Au travers d’ateliers d’écriture créative, il est plus simple et formateur de commencer par écrire des textes courts, des fragments et des nouvelles pour exercer votre plume et trouver votre style.

3. Écrivez sur un thème qui vous tient à coeur

Écrire un roman est long et demande de la rigueur et de la persévérance sur plusieurs mois. Le secret pour garder la motivation est de baser votre histoire sur un thème qui vous passionne et sur lequel vous avez quelque chose à dire. Si vous avez un combat, un point de vue à faire entendre, vous pouvez même écrire un roman engagé.

4. N’attendez pas l’inspiration : faites de l’écriture une habitude

L’inspiration est fluctuante et l’écriture pour le loisir peut rapidement passer au second plan dans un quotidien bien chargé. Résultat : vous écrivez trop peu souvent et perdez le fil de votre récit entre deux sessions d’écriture lorsqu’elles sont trop espacées. Le secret des auteur·rice·s productif·ve·s réside dans le fait de ne pas attendre d’avoir de l’inspiration ou un moment libre pour s’adonner à l’écriture. Créez une vraie habitude en instaurant un moment dédié à cette activité, ne serait-ce qu’une fois par semaine, toujours au même horaire. La routine d’écriture vous permet de fluidifier votre écriture et de déclencher votre créativité.

5. Ne recherchez pas l’originalité de l’intrigue à tout prix

Comme on dit, « toutes les histoires ont déjà été écrites, mais pas par vous ». Beaucoup d’intrigues se ressemblent sur certains points, et pourtant, ne lassent pas forcément les lecteur·rice·s. Preuve en est : les tropes de la romance, par exemple, sont devenus de vrais arguments de vente. L’originalité ne réside parfois pas forcément dans l’intrigue, mais plutôt dans la façon dont l’histoire est structurée et racontée. Mais aussi dans le message qu’elle véhicule, ou encore le style de l’auteur·rice. Trouvez ce qui fait la singularité de votre roman.

6. Montrez la scène, ne la racontez pas (« Show, don’t tell« )

C’est l’un des conseils d’écriture les plus connus, et il mérite vraiment la peine d’être suivi. Montrer une scène comme si elle se déroulait devant nos yeux en mentionnant des détails, des actions, des sons et odeurs, est ce qui rend un récit vivant et immersif. C’est ce qui fait la différence entre un roman et le simple résumé d’un événement. Pour respecter cette règle du « show, don’t tell« , il faut réussir à se représenter la scène de manière précise et prendre le temps de la retranscrire. Décrire le langage non verbal des personnages (par exemple, leurs expressions faciales ou leurs mouvements corporels) est bien plus efficace que mentionner leurs émotions. Il faut « montrer » et non « dire ».

7. Faites confiance au lecteur

Il est tentant de vouloir tout expliquer, tout justifier dans votre récit. Pourtant, si vous donnez aux lecteur·rice·s les éléments nécessaires pour comprendre votre histoire et que celle-ci est cohérente, il y a un certain nombre de choses qu’ils/elles peuvent deviner sans que vous leur imposiez de longs passages d’explications rébarbatives. Le cerveau humain adore décrypter et analyser, c’est bien plus stimulant que d’avoir à assimiler une foule d’informations données d’une traite. Bien sûr, c’est un équilibre à trouver, que la bêta-lecture permet justement d’évaluer.

8. Donnez à vos personnages un désir ou un objectif

Les intrigues qui ne fonctionnent pas ont souvent en commun un manque de ligne directrice et d’enjeux. Les lecteur·rice·s ne savent pas où l’auteur·rice souhaite les emmener, l’histoire semble vague et sans direction. C’est que les personnages n’ont pas de désir ou d’objectif précis. Dans une histoire, comme dans la vie, chacun désire quelque chose qu’il n’a pas, ou souhaite atteindre un objectif. Et comme « on n’a pas toujours ce qu’on veut dans la vie », cela crée des frustrations, des tensions et des conflits. Et c’est justement ça qui crée des péripéties, entraîne des actions. Les personnages rencontrent des problèmes et doivent trouver des solutions pour parvenir à leurs fins. Le secret est d’y ajouter des enjeux, c’est-à-dire une potentielle catastrophe s’ils n’atteignent pas leur objectif. C’est ainsi que naissent la tension narrative et le suspense, qui poussent les lecteur·rice·s à vouloir connaître la suite de l’histoire.

9. Veillez à ce que chaque scène ait une utilité dans l’histoire

Pour être un page turner, c’est-à-dire un roman addictif, une fiction doit avoir un bon rythme. Alterner les moments d’action avec des moments plus calmes. Cependant, pour ne pas ennuyer les lecteur·rice·s et les empêcher d’abandonner leur lecture, un roman ne devrait pas contenir de longueurs. Chaque scène, chaque chapitre doit être nécessaire à l’histoire, en remplissant au moins l’un de ces trois objectifs :

• caractériser les personnages : montrer leur personnalité, leur passé, ou tout autre détail qu’il est important de connaître sur eux pour bien comprendre l’histoire
• faire avancer l’intrigue : un rebondissement, une révélation, une décision…
• créer ou augmenter un enjeu / un conflit : un obstacle, les conséquences d’une action…

10. Donnez une voix propre à chaque personnage

La façon de parler des personnages ou la façon de s’exprimer du narrateur en dit beaucoup sur eux. Le vocabulaire employé, le registre de langue (familier, courant, soutenu) utilisé, les expressions, les tics de langage. Ce sont toutes ces combinaisons qui créent des voix singulières et font naître de véritables personnages de papier, plus vrais que nature. C’est un conseil difficile à appliquer, mais qui fait vraiment la différence, surtout dans le cas d’un roman polyphonique, aussi appelé roman choral. C’est-à-dire une histoire racontée par le point de vue de plusieurs personnages.

11. Soyez « cruel » avec vos personnages

Pour créer des conflits et enjeux forts, il est nécessaire de « malmener » vos personnages. Les lecteur·rice·s doivent penser qu’il est quasiment impossible que le héros ou l’héroïne se sorte de sa situation et réussisse son objectif tellement le problème paraît insurmontable. C’est ce qui leur donne la curiosité de continuer à lire pour savoir comment cela va finir. Il n’est pour autant pas forcément nécessaire d’inclure dans l’histoire des drames et de tuer des personnages. L’essentiel est de créer du conflit suffisamment fort pour créer des émotions chez les lecteur·rice·s, qui ont envie de rire, pleurer, frissonner en même temps que les protagonistes.

12. Soyez précis dans le choix de vos mots

Dire l’essentiel en peu de mots bien choisis produit toujours un meilleur effet et donne les meilleures citations. Inutile de développer la même idée sur tout un paragraphe, en la formulant de plusieurs façons, quand elle pourrait tenir en une phrase. Les redondances alourdissent le style et ralentissent l’histoire. Pour améliorer votre style, préférez l’usage de mots précis plutôt que d’une périphrase. Par exemple : n’écrivez pas « Il marchait dans la ville d’une manière lente et hésitante, comme quelqu’un qui n’était pas sûr de la direction à prendre« , préférez « Il errait dans la ville« .

13. Ne cherchez pas à écrire un premier jet parfait

Un premier jet n’est jamais parfait. Le piège est de perdre du temps et se décourager en réécrivant plusieurs fois son chapitre 1 pour qu’il soit parfait avant de passer à la suite. Il est plus efficace d’écrire toute l’histoire sans revenir en arrière et d’effectuer une relecture et une réécriture dans un second temps. Vous avez une meilleure vision de votre intrigue dans sa globalité après avoir achevé le premier jet. C’est alors le meilleur moment pour opérer des transformations.

14. Faites des sacrifices nécessaires pour le bien de votre histoire (« Kill your darlings« )

Le conseil d’écriture bien connu des anglophones « Kill your darlings« , vous invite à faire des coupes sans scrupules dans votre manuscrit pour gagner en clarté, concision, et conserver un bon rythme. Cela impliquera parfois de supprimer votre scène préférée ou un passage que vous trouviez particulièrement bien écrit. C’est ça qu’on appelle les « darlings » : vos passages chéris. On dit aussi parfois « écrivez comme un·e auteur·rice, relisez comme un·e éditeur·rice« . Adopter un regard neuf et détaché sur vos écrits vous permet de faire les meilleurs choix pour le bien de votre roman.

15. Ne comptez pas que sur vous-même pour réviser le manuscrit

Relire plusieurs fois votre manuscrit ne vous empêchera pas de passer à côté d’incohérences, d’erreurs et de fautes, aussi bien sur le fond que sur la forme. Même (et surtout !) si vous comptez publier votre livre en auto-édition, vous pouvez vous faire aider et ne pas compter que sur vous-même. Faire appel à des bêta-lecteur·rice·s et un·e correcteur·rice professionnel·le est un must pour publier un roman véritablement abouti et exempt de coquilles et de fautes de style.

Les conseils d’écriture qu’il n’est pas toujours nécessaire de suivre

Il y a aussi des conseils d’écriture que l’on entend souvent, mais qui ne sont pas toujours adaptés à tou·te·s les auteur·rice·s. En voici quelques exemples :

Supprimez les adverbes

C’est un conseil à ne pas prendre au pied de la lettre ! Il existe car l’utilisation d’abverbes à l’excès est un défaut que l’on retrouve beaucoup dans les manuscrits d’auteur·rice·s débutants. Il n’est pas nécessaire pour autant de les bannir tout à fait, l’important est de les employer avec modération. Ils sont souvent inutiles, mais parfois irremplaçables.

L’essentiel à retenir figure dans notre conseil n° 12 : l’idéal est d’employer des termes précis. Par exemple, au lieu d’écrire « Il marcha rapidement vers la porte », préférez « Il se précipita vers la porte ». Ici, l’adverbe rapidement peut être remplacé par un verbe plus précis et plus évocateur. Mais cela ne signifie pas que rapidement est mauvais en soi : si aucun verbe ne permet d’exprimer exactement l’idée recherchée, l’adverbe reste pertinent.

Écrivez tous les jours

La régularité aide, mais chacun a son rythme. Écrire quotidiennement, c’est ce que font la plupart des auteur·rice·s qui vivent de leur plume, car ils ont fait de l’écriture leur activité principale, leur métier. Cela demande beaucoup de discipline et c’est parfois difficile de s’y tenir, car la créativité ne se commande pas toujours. Même si bien sûr, la routine aide à se mettre au travail plus facilement.

Mais pour quelqu’un qui a déjà une vie professionnelle et personnelle bien remplie, il peut être difficile de se forcer à écrire tous les jours. Si l’écriture est votre loisir, elle ne devrait pas être source de stress, de pression ou de charge mentale. L’important est la régularité, et plus vous écrivez souvent, mieux c’est bien sûr, mais il faut surtout trouver une fréquence réaliste et compatible avec vos disponibilités. Écrire ne serait-ce qu’une fois ou deux par semaine est déjà très bien ! Vous pouvez aussi opter pour de plus courtes sessions d’écriture mais plus fréquentes. Trouvez le rythme qui vous convient le mieux.

Écrivez sur ce que vous connaissez

C’est un bon moyen d’écrire un roman qui « tient la route », écrit avec réalisme, car vous maîtrisez votre sujet. Ce qui limite beaucoup les incohérences et apporte de la profondeur à votre récit. En revanche, vous pouvez aussi opter pour écrire sur un tout autre sujet, que vous ne connaissez pas forcément, mais qui vous intéresse ou vous passionne. On rejoint ici notre conseil d’écriture n°3 : écrivez avant tout sur un thème qui vous tient à cœur.

Premièrement, parce que vous aurez alors la motivation nécessaire pour aller au bout de votre projet de livre. Et deuxièmement, parce que vous n’aurez pas de réticence à faire des recherches sur le sujet pour en savoir plus. L’essentiel est de veiller au réalisme de l’histoire.

Préparez un premier chapitre explosif

L’incipit in medias res (début au milieu de l’action) est parfois conseillé pour accrocher les lecteur·rice·s, par exemple afin d’éviter l’info dumping (avalanche d’informations) dans un roman Fantasy. C’est en réalité un début qui ne conviendra pas à toutes les histoires, et le premier chapitre peut aussi être intrigant sans pour autant démarrer « sur les chapeaux de roues ».

Quel que soit le type d’incipit que vous choisissez, l’important est qu’il pose un certain nombre de questions dont les lecteur·rice·s attendent avec impatience les réponses dans les chapitres suivants. C’est un des secrets pour écrire un roman « page turner« .

Planifiez l’intrigue avant d’écrire

Certes, c’est un bon conseil d’écriture, car beaucoup d’auteur·rice·s d’écriture souffrent du syndrome de la page blanche par manque de vision globale de leur histoire avant de se lancer dans la rédaction. Malgré tout, on considère qu’il y a deux types d’auteur·rice·s : les « architectes » qui ont besoin de planifier l’intrigue, et les « jardiniers » qui préfèrent planter une graine et voir ce qui pousse.

La méthode « architecte » est celle qui est susceptible de donner de meilleurs résultats, mais elle dépend surtout de la personnalité de l’auteur·rice. Certaines personnes, en effet, sentent leur créativité bridée et perdent tout intérêt si elles inventent toute l’histoire avant de l’écrire. Alors, dans ce cas, l’approche « jardinier » leur convient mieux et leur permet d’inventer l’histoire en même temps qu’elle s’écrit. Là encore, c’est à vous de déterminer ce qui vous convient le mieux.

Où trouver des conseils d’écriture ?

Les conseils d’écriture peuvent se trouver à de multiples endroits : dans des livres de narratologie, des formations d’écriture ou encore tout simplement via du contenu gratuit en ligne, comme des articles de blog ou encore des vidéos sur YouTube.

Certains conseils sont parfois contradictoires, et chaque auteur·rice a sa propre méthode, alors c’est à vous de sélectionner ceux que vous souhaitez suivre ou non !

Autrice

Caroline Duchesnes

Ancienne correctrice pour des maisons d’édition et elle-même autrice, Caroline est adepte des ateliers d’écriture et lit tout un tas d’ouvrages sur l’art d’écrire. Elle aime partager ses connaissances en rédigeant des articles de conseils d’écriture sur le blog de BoD.

Plus d’articles

Au programme : des conférences et des speed datings avec des professionnels de l’écriture et de l’édition, pour bénéficier de conseils concrets sur l’écriture, la mise en forme, la publication ou encore la promotion de votre livre. L’événement sera également l’occasion de créer des liens avec d’autres auteur·rice·s, indépendant·e·s comme publié·e·s en maison d’édition, ou encore hybrides.

L’inscription est gratuite, mais les places sont limitées : pensez à réserver la vôtre !

Le programme de la Journée édition

Les conférences

Vendredi 18 septembre – matinée design du livre

8h45 – 9h30 : Accueil café et networking

9h45 – 10h15 : Créer un intérieur professionnel : les secrets d’une mise en page réussie (Caroline Duchesnes)

10h45 – 11h15 : Le livre-objet : faire les bons choix d’impression (Tamara Balliana)

11h45 – 12h15 : Retour d’expérience et success story de deux auteur·rice·s

Vendredi 18 septembre – après-midi promotion du livre

14h15 – 14h45 : Du fichier aux librairies : comment faire entrer son livre dans le circuit de distribution ? (Noémie Machner)

15h15 – 15h45 : Les 5 clés pour communiquer et construire sa visibilité d’auteur en 2026 (Nina Jovanovic)

16h45 –18h : Networking et clôture de l’événement

Les speed datings

À noter que l’inscription aux speed-dating est réservée aux participants ayant reçu une réponse positive lors de leur soumissions d’inscription à la journée. Ensuite, réservez votre créneau de 30 minutes avec un·e expert·e pour lui poser vos questions personnalisées sur la thématique de votre choix :

• Structure et construction du manuscrit (regard sur la structure, le rythme, la cohérence et l’architecture globale du projet)
• Réécriture et direction éditoriale (accompagnement dans l’amélioration du texte, identification des points à retravailler avant publication)
• Correction et qualité du texte (relecture, correction, style et cohérence éditoriale)
• Mise en page (typographie, composition intérieure, hiérarchie des informations et cohérence graphique du livre)
• Caractéristiques du livre (choix du format, papier, des finitions et cohérence de l’objet avec le projet éditorial)
• Publication et distribution (accès aux librairies avec BoD)

Les créneaux disponibles sont les suivants :

• 10h15 à 10h45
• 11h15 à 11h45
• 13h45 à 14h15
• 15h45 à 16h15
• 16h15 à 16h45

Les infos pratiques

Vendredi 18 septembre de 9h à 18h.

École Les Mots, 4 rue Dante – 75005 Paris

Événement gratuit sur inscription par email : marketing@bod.fr 

FAQ

À qui s’adresse cet événement ?

L’événement s’adresse à tou·te·s les auteur·rice·s, quel que soit leur genre littéraire ou l’état d’avancement de leur projet. Que vous ayez déjà publié un livre, que votre manuscrit soit en cours d’écriture ou que vous ayez simplement un projet en tête, vous êtes les bienvenus.

Ainsi, auteur·rice·s publié·e·s à compte d’éditeur, auteur·rice·s indépendant·e·s ou encore écrivain·e·s débutant·e·s pourront profiter des conférences, échanger avec des professionnel·le·s et bénéficier de conseils adaptés à leur parcours. C’est également une belle occasion de rencontrer d’autres auteur·rice·s, de partager son expérience et de développer son réseau.

Est-il obligatoire de s’inscrire pour participer à la Journée édition ?

En effet, l’événement est gratuit, mais les places limitées à 60 participant·e·s, afin de conserver un format qualitatif et de favoriser les échanges. Il est donc indispensable de réserver sa place en envoyant un email à marketing@bod.fr. Vous recevrez un email de confirmation, avec le lien du formulaire de speed dating si vous souhaitez réserver un créneau.

Nous vous remercions de vous inscrire uniquement si vous êtes certain·e de pouvoir être présent·e la journée du vendredi 18 septembre.

Est-il possible de venir uniquement à une partie de l’événement ?

Les places étant limitées, nous privilégions les personnes pouvant assister à la journée complète.

Puis-je annuler mon inscription si je ne peux finalement pas venir ?

En cas d’empêchement, merci de nous prévenir au plus tôt par email afin que votre place puisse profiter à quelqu’un d’autre.

Comment se déroulent les speed datings ?

Inscrivez-vous à la Journée édition (c’est gratuit) en envoyant un email à marketing@bod.fr en précisant que vous souhaiteriez réserver un créneau de speed dating. Un formulaire de réservation vous sera envoyé pour faire votre choix de la thématique et de l’horaire.

Avant votre échange avec l’un·e de nos expert·e·s, préparez :

• un pitch de votre projet en 2 à 3 minutes ;
• quelques informations sur l’état d’avancement de votre livre ;
• 2 ou 3 questions précises à poser.

Chaque rendez-vous dure 30 minutes et permet d’avoir un échange constructif et personnalisé sur votre projet avec un·e professionnel·le du livre.

Est-il possible de participer à la fois aux conférences et aux speed datings ?

Les horaires sont en effet pensés afin que vous puissiez participer aux speed datings sans manquer les conférences.

Y a-t-il des possibilités de restauration sur place ?

Le café sera offert aux participant·e·s avant le début des conférences de la matinée. Puis, lors de la pause déjeuner, les participant·e·s devront s’organiser par leurs propres moyens pour se restaurer aux alentours du site de l’événement.

Le lieu est-il accessible aux personnes à mobilité réduite ?

L’école Les Mots est accessible à tou·te·s, y compris aux personnes à mobilité réduite ou dans une autre situation de handicap.

Qu’est-ce qu’une trilogie ?

Le mot trilogie vient du grec tri (« trois ») et logos (« parole », « récit »). La définition est donc claire : une trilogie est une œuvre en trois parties. Il peut s’agir d’une série de trois livres ou de trois films qui se suivent. Il existe aussi le terme « duologie » pour désigner une œuvre en deux parties.

Une trilogie raconte généralement une seule histoire complète répartie sur trois livres. Les trois volumes forment un tout et il convient de les lire tous dans l’ordre.

Au-delà de trois tomes, on peut parler de saga littéraire. Quoi qu’il en soit, là encore, les tomes suivants le tome 1 racontent la suite de l’histoire du héros ou de l’héroïne.

Lorsqu’on parle d’une série de livres, la définition est plus large, car le nombre de tomes n’est pas limité. Autre différence : les différents volumes sont indépendants les uns des autres et partagent uniquement le même univers ainsi que les personnages. Les intrigues en revanche sont autonomes et les livres peuvent être lus indépendamment.

Pourquoi écrire une trilogie ?

Une trilogie vous offre de nombreux avantages en tant qu’auteur·rice.

Votre histoire complexe est moins limitée en longueur, puisque vous pouvez vous étaler sur plusieurs tomes. Cela vous permet de développer suffisamment votre univers, avec ses règles, son histoire et ses enjeux.

Vous pouvez aussi fidéliser vos lecteurs et lectrices sur la durée. Si le premier tome les captive, beaucoup auront envie de lire les deux suivants.

Une trilogie vous facilite la tâche côté marketing : parler de chaque tome fera la promotion des deux autres. Sur les réseaux sociaux, vous pouvez susciter la curiosité : que va-t-il arriver aux personnages après la fin du tome 1 ? Avec le temps, vous pouvez créer une véritable communauté de fans de vos héros et de votre univers.

Autre avantage : la création des personnages, des mondes imaginaires et de votre style d’écriture demande beaucoup d’énergie au début. Dans une trilogie, vous effectuez ce travail une seule fois. Ensuite, vous réutilisez ces bases dans les tomes suivants. Il vous reste surtout à inventer de nouvelles intrigues et de nouveaux rebondissements.

Comment écrire une trilogie ou une série ?

Tout commence par une idée : le cadre, l’époque, les personnages principaux et leurs conflits. C’est le point de départ de votre projet. À ce stade, peu importe encore le nombre de livres.

Ensuite, il devient important de savoir si vous écrivez une trilogie ou une série.

Écrire une trilogie

Si vous savez que votre histoire comptera trois tomes, définissez d’abord la trame globale :

• Quel est le cœur de l’histoire ?
• Quel est le conflit principal ?
• Comment l’histoire se termine-t-elle ?
• Quelle évolution traversent les personnages majeurs ?

Pensez votre intrigue sur deux niveaux :

• Un arc général qui couvre les trois tomes.
• Un arc propre à chaque livre.

Chaque tome doit fonctionner comme une histoire à part entière. Vous pouvez terminer sur un suspense qui donne envie de lire la suite. Mais les personnages doivent évoluer dans chaque volume, et la tension doit avoir sa propre progression.

Imaginez que chaque tome possède sa propre mini fin, tandis que le véritable dénouement arrive dans le troisième livre.

Les cliffhangers sont possibles à la fin des tomes 1 et 2. Évitez toutefois de laisser en suspens des questions trop frustrantes, surtout si les suites ne sont pas encore écrites (et seront donc publiées beaucoup plus tard).

Enfin, gardez une place pour la créativité. Un plan est utile, mais certaines idées naissent pendant l’écriture. Vos personnages peuvent vous surprendre.

Écrire une série de livres

Si vos tomes sont indépendants, vous n’avez pas forcément besoin de décider dès le départ qu’il s’agit d’une série. Vous pouvez écrire un premier livre, puis imaginer plus tard d’autres aventures dans le même univers ou avec les mêmes personnages.

En romance, par exemple, vous pouvez envisager d’écrire un spin-off (œuvre ou série dérivée) avec vos personnages secondaires. Dans d’autres genres comme le polar et ses sous-genres comme le cosy mystery, il est fréquent que paraissent des séries centrées sur un·e enquêteur·rice (le personnage principal). Chaque tome porte alors sur une nouvelle enquête.

Dans ce cas, même si les tomes peuvent se faire écho en évoquant certains détails des uns et des autres, les lecteur·rice·s doivent pouvoir facilement comprendre l’histoire sans avoir lu les volumes précédents.

Si besoin, au début de chaque livre, rappelez brièvement le contexte et les personnages. Ne partez pas du principe que tous les lecteur·rice·s connaissent déjà la série.

Nos conseils pour réussir votre trilogie

• Écrivez les tomes 1 et 2 avant de publier le tome 1, idéalement. Vous pourrez ainsi proposer rapidement une suite et éviter de frustrer vos lecteur·rice·s.
• Restez fidèle à votre style. Vos personnages évoluent et vous aussi. En tant qu’auteur·rice, vous progressez au fil de votre écriture, mais veillez toutefois à garder l’identité de votre série et à la cohérence de l’ensemble.
• Notez tous les détails pour éviter les incohérences dans votre trilogie. Utilisez pour cela unlogiciel d’écriture ou un tableau.
• Échangez avec vos lecteur·rice·s. Leurs retours peuvent vous donner des idées pour les tomes suivants.
• Assurez-vous d’aimer vraiment cet univers avant de vous lancer. Car vous allez y passer beaucoup de temps !
• N’annoncez une trilogie que si vous êtes certain·e de réussir à la terminer. Les lecteur·rice·s sont déçu·e·s lorsqu’une série reste inachevée.

Les erreurs fréquentes (et comment les éviter)

Publier le tome 1 trop tôt

Si vous n’avez aucune idée claire du tome 2, vous risquez de vous retrouver sous pression pour écrire la suite !

Ajouter trop de nouveaux personnages

Les lecteur·rice·s souhaitent lire la suite avant tout pour retrouver les personnages qu’ils/elles aiment déjà.

Faire du tome 2 un simple remplissage

Parfois, il arrive que les auteur·rice·s de trilogie misent tout sur le premier tome (qui présente l’univers) et sur le troisième (et sa fin spectaculaire). Malheureusement, le deuxième tome est alors un peu moins palpitant, l’histoire s’essouffle.

Veillez à construire une intrigue propre à chaque tome, en plus de celle qui court sur les trois tomes. Le deuxième tome doit donc lui aussi avoir sa propre force dramatique. Sinon, vous risquez de perdre des lecteur·rice·s en chemin.

Faire durer une histoire qui pourrait tenir en un seul livre

Vous l’aurez compris : écrire une trilogie, ce n’est pas écrire une histoire tellement longue qu’elle ne tient pas en un seul livre. C’est surtout écrire une histoire complexe avec des sous-intrigues (intrigues secondaires), pour laquelle une structuration en trois parties est adaptée et pertinente.

L’histoire est terminée lorsque tous les conflits sont résolus et que les personnages ont achevé leur évolution. Si c’est déjà le cas à la fin de votre tome 1, une suite n’est pas forcément nécessaire. Après tout, il existe certains romans très longs, de plus de 600 pages ! La bonne longueur d’un roman est surtout celle qui correspond à son genre littéraire, mais aussi celle qui est pertinente pour ce que vous avez à raconter.

Si malgré tout, votre histoire est beaucoup trop longue pour tenir en un seul livre, c’est peut-être que vous êtes un·e overwriter. Autrement dit, un·e auteur·rice un peu trop bavard·e ! Il vous faudra alors probablement relire votre manuscrit pour effectuer des coupes de passages et scènes qui ne sont pas utiles pour faire avancer votre histoire.

Quel est le bon rythme de publication ?

Si vous publiez en auto-édition, plusieurs stratégies sont possibles.

Une option efficace consiste à publier les tomes 1 et 2 à trois ou six mois d’intervalle. Les lecteur·rices restent engagé·e·s et l’élan de la série se maintient. Le tome 3 peut suivre six à douze mois plus tard.

Autre possibilité : publier les trois tomes rapidement, à condition qu’ils soient déjà écrits. Cette stratégie peut créer un véritable effet d’événement. Mais il faudra pour cela commencer la promotion bien avant la sortie de la trilogie, afin de d’assurer le succès de son lancement.

Réussir la promotion d’une trilogie

Commencez tôt à construire une communauté de lecteurs et lectrices, par exemple grâce aux réseaux sociaux ou à une newsletter.

Partagez votre processus d’écriture, présentez les personnages, proposez du contenu bonus et pourquoi pas, vendez des goodies et produits dérivés en plus de vos livres. Faites de vos lecteur·rice·s de véritables fans votre univers !

Soignez aussi l’identité visuelle de la série : couvertures cohérentes, titres harmonisés, même style graphique. Les lecteur·rice·s reconnaîtront immédiatement les livres qui appartiennent à la même trilogie.

Enfin, utilisez chaque tome pour promouvoir le suivant. Ajouter un extrait du prochain livre à la fin du volume actuel fonctionne très bien !

Trilogie, série ou livre unique (« one shot ») : que choisir ?

La trilogie vous convient si…

• Votre histoire est suffisamment riche et complexe pour s’étendre sur plusieurs tomes.
• Vous créez un univers dans lequel les lecteur·rice·s veulent revenir.
• Les conflits se répartissent naturellement en trois parties.
• Vous aimez travailler longtemps sur le même projet.

La série vous convient si…

• Vous avez une histoire riche en personnages et en aventures possibles.
• Vous aimez développer régulièrement de nouvelles idées dans le même univers.
• Vous écrivez dans un genre où les séries sont courantes, comme le polar, le thriller ou la romance.

Le one shot vous convient si…

• Votre histoire tient en un volume.
• Le conflit principal peut être résolu dans un seul arc narratif.
• L’évolution des personnages est complète sans suite.

Conclusion

En résumé, le choix dépend surtout de l’ampleur de votre histoire et de votre motivation à travailler longtemps sur le même univers.

Une trilogie permet de créer un univers riche et de fidéliser fortement les lecteur·rice·s. Si vous préférez explorer sans cesse de nouvelles idées et expérimenter différents styles, les romans indépendants seront sans doute plus adaptés.

Dans les deux cas, l’objectif reste le même : captiver vos lecteur·rice·s et leur donner envie de revenir à vos livres.

Qu’est-ce que l’écriture créative ?

L’écriture créative fait travailler à la fois son imagination et son expression littéraire. Elle vise à produire des textes courts pour le plaisir de jouer avec les mots, parfois d’après une consigne ou une contrainte qui stimule la créativité. L’écriture créative peut se pratiquer seul·e chez soi ou bien lors d’ateliers d’écriture, en groupe.

Elle provient de l’anglais creative writing, qui est alors une discipline enseignée à l’université. On la présente comme une méthode d’écriture pour maîtriser les différents genres littéraires, en analysant des textes d’auteur·rice·s publié·e·s.

En France, où les formations en écriture se démocratisent depuis quelques années, on utilise plutôt dans ce contexte le terme de « création littéraire ». Les masters en creative writing anglosaxons ont maintenant leur équivalent dans l’Hexagone, souvent sous le nom de masters en création littéraire.

Si le but de l’écriture créative n’est souvent pas l’écriture d’un roman, son objectif reste le même : écrire une histoire, exprimer des idées et des émotions ou créer des personnages marquants.

Que sont les writing prompts et contraintes créatives ?

Côté anglophone, la creative writing est associée aux writing prompts, ces petits thèmes déclencheurs d’inspiration. Souvent, ils proposent une phrase, un début d’histoire, des idées à développer qui invitent à écrire.

Côté francophone, les ateliers d’écriture créative vont souvent encore plus loin en proposant également des contraintes créatives, autrement dit des consignes d’écriture. Il ne s’agit alors plus du fond (de l’intrigue et de l’idée de l’histoire) mais plutôt de la forme (le style et le jeu avec les mots).

Voici quelques contraintes et consignes fréquentes lors d’ateliers d’écriture créative :

• utiliser une liste de mots imposés,
• écrire du point de vue d’un objet ou d’un animal,
• commencer ou finir le texte par une phrase imposée,
• imiter le style d’un·e auteur·rice ou la structure d’un texte pris comme exemple,
• écrire une histoire sous une forme originale : liste de courses, interrogatoire de police, article de journal…

C’est un aspect culturel qu’on doit certainement à l’Oulipo (OUvroir de LIttérature POtentielle), un groupe d’auteur·rice·s français·es d’expérimentation et de recherche littéraire, créé en 1960 par Raymond Queneau. L’Oulipo a créé une véritable liste de contraintes créatives jouant sur les mots, les lettres, les définitions ou encore les règles de la poésie.

Une des plus connues est le lipogramme (figure de style consistant à produire un texte en excluant une lettre de l’alphabet) qui a donné naissance au fameux roman La Disparition de Georges Perec, qui ne contient aucune lettre E.

Au premier abord, on peut considérer la contrainte comme restrictive, mais bien souvent, au contraire, elle inspire et éloigne le syndrome de la page blanche. Elle agit comme un véritable déclencheur d’inspiration en donnant un chemin à suivre, laissant pourtant la place à l’imagination.

Votre créativité n’est pas bridée, car vous restez libre de faire vos propres choix. Aussi bien en termes de perspective narrative, de ton, de style… Et elle vous permet aussi bien d’inventer des fictions que d’écrire des textes plus personnels. L’écriture créative vous permet d’explorer ce qui vous correspond et ce qui vous touche le plus.

À qui s’adresse l’écriture créative ?

Tout le monde peut pratiquer l’écriture créative, sans aucun prérequis, que ce soit par loisir ou dans le but d’améliorer ses talents d’auteur·rice.

Voici quelques exemples de personnes qui utilisent l’écriture créative :

• Les auteur·rice·s et passionné·e·s des mots : L’écriture créative est souvent un premier pas dans l’écriture, avant d’écrire un roman ou de publier de la poésie.
• Les artistes et esprits créatifs : L’écriture créative stimule l’imagination et peut nourrir d’autres arts. C’est pourquoi certains peintres ou artistes visuels y ont recours.
• Les élèves et les étudiant·e·s : Au début d’un parcours personnel ou professionnel, l’écriture créative permet de développer ses compétences, d’exprimer ses idées et de s’entraîner à écrire.
• Les personnes en quête de développement personnel : Le journaling, ou écriture d’un journal (journal intime, art journal, bullet journal, carnet de voyage…) utilise l’écriture créative pour exprimer pensées et émotions. Cette pratique aide souvent à y voir plus clair dans ses pensées, émotions et développer sa créativité. C’est aussi un très bon moyen de réduire stress et anxiété : mettre ses pensées en mots peut être très libérateur et l’écriture créative est ainsi un excellent exutoire.
• Les professionnel·le·s de la publicité et du marketing : Pour vendre des produits, il faut de bons textes. Dans le secteur du copywriting, la capacité à écrire de façon créative peut faire toute la différence.

Comme vous pouvez le constater, l’écriture créative s’adresse à tout le monde. Et si vous rêvez d’écrire votre propre livre, vous avez peut-être déjà trouvé votre passion !

Comment pratiquer l’écriture créative ?

Certaines personnes aiment écrire depuis toujours et possèdent un talent naturel. D’autres s’y intéressent mais ont besoin d’être accompagnées dans la pratique de l’écriture. Quoi qu’il en soit, l’écriture peut s’apprendre et le secret d’un bon style réside surtout dans la pratique régulière, qui permet de se perfectionner.

Les conseils suivants s’appliquent à toutes les personnes souhaitant pratiquer l’écriture créative, quel que soit leur niveau d’expérience.

Écrivez régulièrement

Essayez d’instaurer une routine d’écriture, autrement dit de vous créer des habitudes d’écriture. Pouvez-vous écrire quelques minutes chaque jour ou bien accorder un moment à l’écriture créative chaque semaine ?

Même de courtes séances vous aideront à trouver votre rythme et à surmonter le syndrome de la page blanche. Beaucoup de personnes ont du mal à commencer. Avec la pratique, cela devient plus facile.

Le journaling peut également être utile. Laissez simplement vos pensées s’exprimer librement. Cette approche favorise l’écriture spontanée et vous aide à trouver votre propre style.

Lisez pour progresser

Plus vous lisez, plus vous trouverez d’inspiration pour vos propres textes.

Les œuvres d’autres auteur·rice·s vous permettront d’identifier les styles et les procédés narratifs et autres techniques d’écriture que vous appréciez. Vous pourrez ensuite les expérimenter dans vos propres écrits.

Variez vos lectures : littérature classique, romans contemporains, poésie… Cette diversité élargira votre horizon et nourrira votre créativité.

Participez à des ateliers d’écriture

De nombreuses personnes maîtrisent déjà l’art d’écrire et animent des cours et ateliers. Profitez de leur expérience.

Vous pouvez suivre des cours d’écriture créative, participer à des ateliers ou stages d’écriture et échanger avec d’autres écrivains et écrivaines et l’animateur·rice. Chacun y gagne. Vous pourrez même y construire un réseau qui vous accompagnera dans votre parcours d’auteur·rice. Si aucun atelier d’écriture n’existe à proximité, pourquoi ne pas vous constituer un groupe d’écriture en ligne ? Il existe aussi pour cela des live sur Instagram et sur Twich avec d’autres passionné·e·s d’écriture. Le principe est le même que celui du coworking : chacun·e avance sur ses projets en profitant d’une ambiance studieuse.

Faites des exercices d’écriture créative

C’est en pratiquant que l’on progresse réellement.

Pour cela, multipliez les exercices et les consignes variées. Par exemple : « Décrivez une douce nuit de printemps au cœur de la ville. »

Vous pouvez aussi créer vos propres défis. Un jour, écrivez un dialogue. Le lendemain, racontez une histoire en changeant de point de vue narratif.

Plus vous faites de jeux d’écriture, plus votre maîtrise de l’écriture se développe. Vous en trouverez si besoin sur Internet ou sur les réseaux sociaux, notamment sur les comptes Instagram de BoD et WriteControl.

Participer à des concours de nouvelles et appels à textes est également très formateur. Un thème, une longueur ainsi qu’une date limite vous sont souvent imposés, stimulent votre créativité et vous poussent à dépasser vos limites.

À lire aussi : Concours d’écriture et appels à textes gratuits 2026

Apprenez les techniques d’écriture

L’écriture créative ne repose pas uniquement sur l’intuition. Elle comporte aussi des aspects techniques que vous pouvez apprendre, notamment dans des livres de narratologie ou bien des formations et autres cours.

L’un des principes les plus connus est : « Show, don’t tell » (« Montrez, ne racontez pas »). Au lieu d’affirmer qu’un personnage ressent une émotion, faites-la apparaître à travers ses actions, ses réactions ou son environnement.

Il est également utile d’apprendre comment fonctionne une histoire, comprendre les structures narratives comme le Voyage du héros, et autres mécanismes d’écriture.

Soyez patient·e

Vous avez l’impression de stagner ? Vous voyez d’autres personnes progresser plus vite ou rencontrer davantage de succès ? Accordez-vous du temps !

Si vous écrivez régulièrement et continuez à vous exercer, les progrès viendront naturellement. Et vous serez bientôt prêt·e à écrire votre premier roman.

Ce qui favorise l’écriture créative

Écrire dans une rame de métro bondée ou à une table de cuisine encombrée peut fonctionner pour certains auteur·rice·s. Mais ces conditions ne sont pas idéales pour tout le monde.

Votre environnement influence votre capacité à entrer dans un état de concentration et à produire de bons textes. Les besoins varient d’une personne à l’autre, mais les conseils suivants peuvent vous aider.

Créez un environnement stimulant

Dans quel lieu vous sentez-vous bien et peu distrait·e ? Où parvenez-vous à oublier vos tâches quotidiennes pour vous plonger dans votre texte ?

Certaines personnes préfèrent un bureau rangé avec vue sur la nature. D’autres aiment écrire dans un café animé et inspirant. Testez différentes options et trouvez celle qui vous convient.

Utilisez la musique comme source d’inspiration

De nombreux·ses auteur·rice·s écoutent de la musique en écrivant. Musique douce ou au contraire énergique, sons d’ambiance… c’est à vous de voir. De préférence, choisissez un style de musique en accord avec l’ambiance de votre histoire, et sans paroles pour ne pas vous laisser distraire.

D’autres encore préfèrent le silence total, parfois avec un casque à réduction de bruit pour conserver une concentration optimale.

Mettez-vous dans de bonnes conditions pour écrire

Êtes-vous plus à l’aise pour écrire sur un carnet ou bien sur votre ordinateur ? Y a-t-il une police de caractères qui vous convient mieux qu’une autre ?

Grand écran, chaise de bureau confortable et clavier ergonomique peuvent faire la différence en vous apportant plus de confort pour vos séances d’écriture. Vous pouvez aussi opter pour un logiciel d’écriture comme WriteControl pour sauvegarder en ligne vos textes et vos notes au même endroit.

Créez un environnement de travail qui vous soutient et facilite votre créativité.

Trouvez votre propre méthode d’écriture créative

À première vue, l’écriture créative peut sembler être un processus spontané et parfois chaotique. Pourtant, vous avez pu constater que ce n’est pas le cas. Plus votre approche est structurée, plus vous augmentez vos chances de progresser.

Identifiez donc l’environnement dans lequel vous écrivez le mieux. Mettez ensuite en place votre propre routine. Combinez écriture libre, exercices ciblés et déclencheurs d’inspiration.

Vous développerez ainsi rapidement vos compétences et pourrez mettre votre créativité au service de projets passionnants.

Quelques livres en lien avec l’écriture créative

Plus de conseils pour écrire et publier un livre

BoD vous accompagne étape par étape dans la réalisation de votre projet de livre. Nous mettons à votre disposition tout notre savoir-faire afin que vous soyez pleinement satisfait·e du résultat.

Le style d’écriture : un moyen de se démarquer

Un photographe évolue dans son métier en améliorant progressivement son style. Il travaille sur les angles de prise de vue. Il affine son observation de la lumière ambiante. Il retouche ses photos en suivant son intuition et son message artistique.

Petit à petit, des choix s’opèrent dans l’objectif d’affirmer son style. On distingue assez facilement un photographe qui préfère réaliser des clichés vintage d’un autre qui choisit de se spécialiser dans la photographie bohème.

Pour l’écrivain, c’est pareil. De la même manière que le photographe, c’est en pratiquant que son style progressera. Ainsi, vous aurez plus de chances de percer sur le marché du livre en vous démarquant de vos concurrents.

Nous allons donc prendre le temps de cet article pour réfléchir à votre style et comment le développer.

Qu’est-ce qu’un style ?

Le Larousse définit le terme style comme une « façon particulière dont chacun exprime sa pensée, ses émotions, ses sentiments ».

En écriture, le style c’est ce qui vous rend original, unique. Grâce à lui, vous allez vous démarquer du reste de vos pairs.

Par conséquent, il est essentiel de vous poser la question : « Quel est mon style ? ». Vous l’avez probablement déjà développé au fur et à mesure de votre pratique, sans même vous en rendre compte.

D’ailleurs, vous opérez déjà un choix de style lorsque vous vous demandez : « Dois-je transmettre cette idée de cette manière-ci ou de cette manière-là ? », jusqu’à trouver la formulation qui fait mouche. Celle qu’un autre n’aurait peut être pas choisie !

Toutefois, le style ne doit pas devenir un prétexte pour réinventer la langue. Par conséquent, ayez en tête les règles de français et les codes qui régissent votre genre littéraire.

D’autre part, questionnez-vous sur comment votre style s’est développé : avez-vous fait des choix conscients ou inconscients au fil du temps sur vos préférences d’écriture ? Ces choix sont-ils légitimes et adaptés ? Ou vous desservent-ils ?

Car en effet, votre style peut devenir un véritable frein à votre carrière, s’il n’est pas reçu avec enthousiasme par le plus grand nombre des lecteurs.

Heureusement pour vous, BoD vous a préparé 10 conseils pour vous aider à (re)travailler votre style et à le développer.

10 conseils pour améliorer son style d’écriture

1. Exercez-vous pour trouver votre style

Pour améliorer son style, il n’y a pas de secret. Il faut s’entraîner. En effet, il est important de persévérer et continuer à écrire.

En tant qu’artiste, il peut arriver d’être dépassé·e, sous pression. Ce stress constant de savoir si vous allez réussir à dégager des revenus de vos écrits et vivre de notre passion peut vous écarter de nos objectifs profonds. Vous préférez alors peut-être investir votre temps et votre énergie dans le marketing, les réseaux sociaux, les rencontres en librairie, en oubliant le principal. À savoir : l’écriture et votre évolution dans ce métier.

Or, si vous suivez certain·e·s écrivain·e·s renommé·e·s, vous verrez que leur façon d’écrire a changé avec le temps. Alors c’est tout à fait normal pour le moment si votre style n’est pas parfait, peu importe votre âge.

Entraînez-vous, expérimentez avant d’écrire un roman. Participer à tes ateliers d’écriture, par exemple, vous aidera à sortir de votre zone de confort et vous amènera à tester beaucoup de choses différentes. Vous pouvez aussi pratiquer chez vous des exercices d’écriture créative selon des contraintes. Rédiger des textes courts et écrire des nouvelles vous sera très utile pour affiner votre style. Sur Instagram, vous trouverez de nombreux posts proposant des jeux d’écriture, notamment sur le compte de WriteControl.

Si vous êtes étudiant·e et passionné·e d’écriture, vous pouvez vous tourner vers les masters de création littéraire pour apprendre à écrire. Mais il existe aussi bien d’autres formations d’écriture, que nous avons listées dans cet article : Quelles formations d’écriture pour les auteurs en France ?

Surtout, n’ayez pas peur de vous lancer parce que votre style ne s’est pas encore affirmé. Il faut bien débuter quelque part !

2. Prenez conscience de vos conditionnements en écriture

Si vous aimez votre style, ce n’est pas pour autant qu’il n’a pas été conditionné à un moment. Cela signifie que dans votre vie, vous avez fait des choix conscients ou inconscients quant à la manière dont vous préférez écrire.

Par exemple, dans l’enfance, le maître ou la maîtresse vous a appris à construire des phrases correctes. Puis, un peu plus tard, vous avez peut-être été noté·e sur des rédactions ou argumentaires. Certains commentaires ont pu être marquants et désormais, vous corrigez automatiquement des « fautes » qui avaient été soulevées alors.

Ces remarques étaient probablement très pertinentes, mais vous desservent peut-être aujourd’hui, car vous restez focalisé·e dessus.

Il peut aussi arriver que vous adoptiez des tics de langage à l’écrit, comme on le fait généralement à l’oral. Ceux-ci peuvent alors alourdir votre récit et rendre la lecture moins agréable, voire moins professionnelle.

Pour cela, identifiez vos mauvaises habitudes en écriture et apprenez à vous en libérer.

3. Allégez votre texte : certainement le meilleur conseil pour améliorer votre style !

Il peut arriver qu’une information qui vous semble essentielle ne le soit pas forcément pour les lecteurs et lectrices.

Si par exemple, vous décrivez une scène qui se passe dans un magasin et que vous écrivez :
« Lorsque Loïc s’engouffra dans le rayon suivant, il aperçut les pains au chocolat au chaud dans leur barquette. Le prix indiqué était de 2,50 €. Il les saisit, et se dirigea aussitôt vers la caisse pour être à l’heure à son rendez-vous. »
Dans cette histoire, le prix des pains au chocolat n’est pas important. Même si au moment d’écrire ces lignes, ça nous a semblé une évidence, il est possible de revenir sur ce choix pour alléger notre texte. En effet, ces informations ne feraient que distraire le lecteur du véritable but.

De manière générale, des phrases courtes et « minimalistes » ont toujours plus d’impact que des phrases et paragraphes alambiqués, « bavards » et faisant usage de fioritures et pléonasmes. Le style de Proust n’est hélas plus dans l’air du temps !

4. Révisez vos figures de style pour un effet wahou

Vous souhaitez être écrivain·e, mais vous détestiez le français à l’école. Ce n’est pas forcément un frein à votre carrière.

Toutefois, il peut être intéressant de se replonger dans les manuels scolaires afin de voir ou revoir différents enseignements.

Par exemple, apprendre plusieurs figures de style peut vraiment faire la différence. Pour commencer, vous pouvez vous amuser à transformer des comparaisons en métaphores. À vous de voir ce qui convient le mieux à votre lectorat !

« Son chat se tenait immobile dans la nuit, telle une statue » est une comparaison qui, convertie en métaphore, peut devenir : « Son chat changé en statue se tenait dans la nuit ».

À vous de jouer ! Prêtez-vous à l’exercice et postez les métaphores obtenues en commentaire ?

5. Enrichissez votre vocabulaire pour apporter de la variété et de la profondeur

Le choix du vocabulaire est également primordial.

En effet, il est important de nourrir son récit et d’éviter un excès de répétitions. Toujours utiliser les mêmes mots de liaison ou encore les verbes être et avoir peuvent rendre votre histoire plus fade aux yeux d’un·e lecteur·rice.

Si en revanche vous prenez le temps de rechercher des synonymes, vous pourrez améliorer votre style.

Et si vous instauriez une routine quotidienne ? Créez une jolie liste de mots que vous n’employez pas souvent. Vous pourrez la ressortir lors de vos sessions d’écriture.

Il arrive aussi parfois que ce soient des termes, un langage soutenu ou l’usage des expressions qui définissent le style d’un·e auteur·rice. Et vous, qu’est-ce qui définit votre style ?

Pour découvrir tout un tas d’outils linguistiques en ligne, nous vous conseillons la fonctionnalité « Thésaurus » de notre plateforme d’écriture WriteControl. Ses dictionnaires de synonymes, antonymes, figures de style et champs lexicaux sont une mine d’or pour enrichir son vocabulaire !

6. Perfectionnez vos dialogues pour améliorer votre style

L’art du dialogue, ça s’apprend. Il ne doit pas contenir d’informations inutiles ou de trop longues phrases. Et surtout, il doit être alterné avec quelques phrases de narration pour éviter qu’il ne soit trop long.

Par exemple :
« Sophie entra dans la pièce et salua ses hôtes d’un large sourire. Martha s’avança vers elle.
— Avez-vous bien dormi hier soir ?
— Comme un loir, merci. J’ai toutefois été intriguée par votre chat en me levant pendant la nuit. Il semblait attendre quelque chose.
Martha gloussa et répondit :
— Vous voulez dire Réglisse ? Ça fait bien longtemps qu’elle ne bouge plus.
Martha indiqua à Sophie de la suivre dans la pièce qu’elle avait traversée pendant la nuit en se rendant au petit coin.
— Voici Réglisse.
Sophie sentit un frisson lui parcourir le dos. Réglisse était en effet un chat empaillé. »

Ne ratez pas à ce sujet notre article sur les 5 conseils pour réussir les dialogues.

7. Restez authentique dans vos écrits : ne copiez pas le style d’un·e autre !

Chaque style est unique, et pourtant plusieurs styles se sont inspirés d’autres. C’est pourquoi il est primordial de rester authentique au vôtre.

Il est bien sûr largement conseillé de lire, d’observer des styles différents et même de s’en inspirer dans un premier temps. Rendez-vous à la médiathèque pour feuilleter des ouvrages du même style que le roman que vous souhaitez écrire pour observer comment ils sont écrits. Toutefois, il ne faut pas placer la barre trop haut ou vouloir être aussi bon qu’un·e autre en copiant son style.

Il s’agit davantage de repérer pourquoi ce style résonne en vous. Pourquoi c’est celui-ci et pas un autre qui vous attire. De cette manière, votre style sera cohérent avec votre personnalité d’écrivain·e et vous garderez le plaisir d’écrire.

8. Intégrez les conseils de ses bêta-lecteurs et bêta-lectrices pour progresser

Si vous ne savez pas encore ce qu’est un·e bêta-lecteur·rice, filez lire notre article sur le sujet : bêta-lecteur : mode d’emploi.

De bon conseil, les bêta-lecteur·rice·s savent repérer les points forts de votre livre. Mais ils/elles peuvent également vous aider à déceler ce qui mériterait d’être amélioré.

Un tic de langage bien trop répétitif ? Des phrases trop longues et un vocabulaire pauvre ? Restez à leur écoute, car ils/elles vous indiqueront quels aspects de votre style sont à développer ou à améliorer.

9. Oubliez les négations et la voix passive qui alourdissent vos écrits

D’une part, il est recommandé d’éviter les négations qui alourdissent les phrases. Dans ce cas, c’est assez simple. Plutôt que d’écrire « Jean n’aime pas la couleur de ses cheveux », choisissez « Jean déteste la couleur de ses cheveux ».

De cette manière, le récit s’inscrit dans le positif et moins dans le négatif. Sauf si bien sûr, vous souhaitez jouer sur cette négativité pour l’accentuer dans votre histoire.

D’autre part, préférez la voix active, qui donne davantage de dynamisme à votre texte que la voix passive.

Par exemple, il vaut mieux écrire « nos voisins ont décidé de lancer leur propre marque », plutôt que « une marque a été lancée par nos voisins ».

De plus, préférer la voix active évite une répétition trop importante du verbe « être », nécessaire pour la construction de la voix passive.

10. Évitez d’utiliser des adverbes et des participes présents pour plus d’élégance

Enfin, il est préférable de ne pas alourdir ses phrases par des adverbes ou des participes présents.

Écrire « anticonstitutionnellement » risque de remplir toute la ligne d’une page. Ce n’est ni très esthétique, ni agréable de lire des mots trop longs.

De plus, trop de sons « an » pourrait alourdir vos phrases et rendre le récit moins lisible ou moins agréable à lire. C’est pour cela que les participes doivent être utilisés avec modération.

Améliorer son style en allant plus loin
Si vous souhaitez en savoir davantage sur le style d’écriture, vous pouvez vous référez à des livres spécialisés sur le sujet.
Nous vous conseillons par exemple la lecture du Jourde & Naulleau, Précis de littérature du XXI ^e siècle. Ce livre décrypte et critique de manière désopilante le style de nombreux auteurs contemporains à succès et permet d’identifier grâce à des exemples concrets leurs défauts à ne pas reproduire !

Vous arrivez devant votre ordinateur tous les matins avec votre tasse de café (ou thé) à portée de main, pleine de bonne énergie et de volonté d’écrire ! Puis en écrivant, vous vous perdez dans les petits détails de vos personnages, vous vous découragez et vous doutez.

Vous avez l’impression de tomber dans les clichés et stéréotypes, qui rendent vos personnages trop prévisibles ou banals. Bref, vous finissez par avoir envie de jeter vos écrits à la poubelle.

Comment écrire un personnage de roman qui marque l’esprit des lecteurs et lectrices ? Voici nos 5 conseils !

1.    Un personnage réussi doit se démarquer physiquement

L’essentiel est de choisir avec soin des éléments qui permettent de démarquer votre personnage de la masse. Il peut s’agir de caractéristiques physiques ou psychologiques.

Généralement, vous avez les caractéristiques physiques de votre personnage en tête. Pour qu’il prenne aussi vie dans l’esprit de votre lecteur·rice, vous pouvez décrire votre personnage dans différentes situations. Par exemple, quand il :

• parle pour la première fois ou lors de sa première apparition ;
• réalise une action ;
• se déplace ;
• il parle ;
• entre dans une pièce ou en ressort…

Plus vous allez varier ces situations et plus votre lecteur·rice connaîtra votre personnage sous différentes facettes, ce qui le rendra plus intéressant.

Vous pouvez opter pour des descriptions très précises.

Vous pouvez aussi vous attarder sur un ou deux traits physiques minimes pour différencier votre personnage de la masse.

2. Un personnage réussi doit se démarquer par sa personnalité

Bien sûr, les caractéristiques psychologiques sont complexes et nombreuses. Comment définir celles de vos personnages ? Tadam ! C’est maintenant que le modèle des « big five » entre en jeu.

Le modèle « big five », quèsaco ? ?

Fréquemment utilisé dans le domaine de la psychologie, il désigne les cinq principaux traits de personnalité.

Remplir le questionnaire des « big five » pour votre personnage, c’est comme l’emmener chez le psy ! Il vous permet de déterminer sa personnalité en évaluant votre personnage de 1 (pas d’accord) à 20 (tout à fait d’accord) selon 5 critères. Les voici :

1. Extraversion : Votre personnage réagit-il fortement aux stimulus agréables ? Est-il plutôt introverti ?

2. Agréabilité : A-t-il tendance à coopérer ? Est-il altruiste ? A-t-il du mal à entrer en conflit ?

3. Conscienciosité : Est-il capable de s’organiser et de persévérer pour atteindre le but qu’il s’est fixé ? Est-il rigoureux ?

4. Nervosité : Est-il réactif aux stimulus négatifs ?

5. Ouverture : Est-il ouvert à la nouveauté ? Ou plutôt fermé dans ses idées ?

Le profil psychologique de Harry Potter, WriteControl

Sur la plateforme d’écriture en ligne WriteControl.fr, vous pouvez ajouter autant de caractéristiques psychologiques que vous voulez afin de créer un personnage qui a du caractère ?

3. Le passé du personnage a une grande importance

C’est l’occasion de plonger le lecteur dans le vécu et les expériences de votre personnage. Son passé a son importance, car, comme dans la vie réelle, il détermine ses réactions, comportements et émotions tout au long de votre histoire.

Les lecteurs adorent par exemple découvrir la trajectoire d’un personnage méchant pour comprendre ce qui l’a fait basculer. Pour qu’ils comprennent votre personnage et comment il en est arrivé là, vous pouvez révéler quelques informations sur son passé et sur ses expériences de vie.

Le passé de votre personnage justifie certaines de ses émotions. Par exemple, un personnage qui a été mordu par un chien lorsqu’il était enfant peut maintenant avoir une peur excessive des chiens. Mais comment exprimer les émotions de votre personnage ? Ça tombe bien, c’est ce que l’on va voir dans le point 4 ?.

4. Les émotions du personnage doivent être exprimées

Focalisez-vous d’abord sur deux ou trois émotions. Pour que le lecteur y croit, soyez crédible dans les détails et la cohérence de ces émotions dès les premières lignes. Par exemple, si l’émotion principale est la colère, vous n’allez pas juste dire que « Lisa est en colère ». Montrez plutôt les différentes couleurs de cette émotion : le manque de reconnaissance, la frustration liée à une charge de travail excessive, l’injustice, un besoin inassouvi à cause d’un obstacle, etc.

Vous pouvez rendre les émotions palpables en décrivant les expressions physiques intérieures et extérieures de vos personnages.

Puisez dans votre expérience personnelle ou inspirez-vous de votre entourage. Étudiez l’émotion que vous voulez susciter pour mieux la retranscrire.

Pour augmenter l’empathie du lecteur, donnez-lui accès aux pensées de votre personnage. Le lecteur pourra ainsi aisément ressentir ses émotions et s’identifier à votre protagoniste ?

Utilisez l’environnement pour créer une atmosphère qui viendra renforcer les émotions que vous souhaitez transmettre dans votre scène. Par exemple, une tempête peut ajouter de l’intensité à une scène de dispute entre deux personnages.

5. Un personnage réussi a une mission bien définie

Pour pousser votre lecteur à vouloir connaître la suite de votre histoire, il a besoin de savoir concrètement ce qui anime votre personnage. Votre personnage doit donc avoir un but précis.

Sans cela, c’est comme s’il naviguait sans boussole. Résumez l’objectif de votre personnage en une phrase courte. Cet objectif vous aidera à définir les réactions et comportements de votre personnage tout au long de votre histoire. ?

Les lecteurs aiment les personnages proactifs, qui prennent en main leur destin, se démènent pour arriver à leur but. Faites évoluer votre héros tout au long de l’histoire, montrez qu’il a grandi, changé et évolué.

Quelles sont vos astuces pour créer un personnage de roman qui marque l’esprit des lecteurs ? Écrivez-les dans les commentaires ?.

En bonus, nous avons créé pour vous une « fiche personnage » à imprimer ! Il ne vous reste plus qu’à la remplir pour peaufiner le portrait de votre héros ?

Conseils

Connaissez-vous WriteControl ?

WriteControl vous permet d’écrire et de suivre l’évolution de votre roman. C’est une plateforme d’écriture pour auteurs sur laquelle vous pouvez à la fois structurer et planifier votre livre, écrire, et suivre vos progrès à l’aide de statistiques. Elle vous offre un environnement d’écriture agréable dans lequel vous pouvez vous épanouir ?

Avec WriteControl, fini les fichiers texte non sauvegardés, les classeurs et feuilles volantes que vous mettez un temps fou à retrouver. Planification des chapitres, notes, fiches personnages, cartes mentales… L’outil vous permet de réunir tous les éléments de votre roman au même endroit.

Avec WriteControl, BoD peut prendre en charge l’impression et la distribution de votre livre. Nous référençons votre livre sur les catalogues des libraires et sur de nombreux sites marchands.

Tous les éléments sont réunis pour vous aider à réaliser votre rêve d’écrivain ! ?

Venez tester la version gratuite de WriteControl ici.

D’autres ressources pour améliorer vos écrits :

5 conseils pour réussir les dialogues – BoD.fr

Comment améliorer son roman : 10 défauts à corriger – BoD.fr

Comment corriger son livre ? – BoD.fr

Autrice

Anna Georgelin

Anna travaille dans l’équipe Marketing. Elle a étudié les langues étrangères appliquées et est passionnée par la lecture et l’écriture. Elle aime partager des conseils d’écriture et suivre les nouvelles tendances littéraires.

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L’écriture est une passion pour vous, mais vous savez ô combien il peut s’avérer compliqué de maintenir sa motivation, corriger son texte, organiser ses recherches…

Et si l’on vous disait qu’il existe une solution pour remédier à ces petits tracas d’écrivain·e ? Il s’agit de WriteControl, la plateforme d’écriture innovante pensée et conçue pour les auteur·rice·s. Nous avons le plaisir de vous la présenter dans cet article.

Comment est né le logiciel d’écriture WriteControl

En 2016, Maxime, developpeur Web, crée pendant son temps libre des outils d’écriture pour répondre aux besoins de Manon, sa compagne passionnée des mots. C’est finalement un logiciel d’écriture offrant de nombreuses fonctionnalités qui voit le jour. L’idée fait son chemin : pourquoi ne pas partager ce précieux logiciel avec d’autres auteurs et autrices ?

Deux ans après, ce sont des milliers d’écrivain·e·s qui sont au rendez-vous. Un succès incroyable qui a décuplé la motivation de Maxime.

Cette belle histoire et le potentiel de ce logiciel d’écriture en ligne ont séduit BoD – Books on Demand, une des plateformes d’auto-édition les plus connues en Europe, et c’est ainsi que la collaboration est née. Grâce à cette alliance stratégique, les auteur·rice·s disposent désormais d’un environnement d’écriture créatif et innovant qui les accompagne de la rédaction jusqu’à la publication du livre.

La plateforme vous permet en effet de vous faciliter la vie lors de l’écriture de votre livre, de structurer votre manuscrit, stimuler votre créativité ou encore parfaire votre texte.

Grâce au soutien de BoD, WriteControl ouvre un nouveau chapitre de son histoire et peut continuer à développer toujours plus de fonctionnalités ingénieuses pour les auteur·rice·s. Mais aussi proposer la possibilité d’imprimer son livre directement depuis WriteControl !

Un logiciel d’écriture gratuit et complet

WriteControl est un logiciel d’écriture pensé pour simplifier toutes les étapes de la création d’un livre, de l’écriture à l’impression, en passant par la création des personnages, ou encore la relecture et la correction. Fini les multiples fichiers de traitement de texte et les post-its éparpillés ! Toutes les fonctionnalités nécessaires à la rédaction et la conception d’un livre sont disponibles au même endroit.

Les fonctionnalités essentielles de WriteControl sont disponibles pour tous et toutes, auteur·rice·s amateur·rice·s comme professionnel·le·s, en version gratuite. Mais pour aller encore plus loin, il existe également un abonnement Premium offrant des outils toujours plus ingénieux et innovants pour écrire son livre, le perfectionner et le préparer à la publication.

Découvrez pourquoi WriteControl vous simplifie la vie :

Écrire depuis n’importe où

Écrivez votre livre dans le monde entier et sur n’importe quel appareil. Votre texte est sauvegardé automatiquement en ligne. Vous pouvez-même travailler hors ligne quand vous n’avez pas de connexion ! L’éditeur de texte est simple et ludique à utiliser.

Structurer son manuscrit

Il est possible de rédiger pour chaque chapitre un résumé de son contenu pour ne rien oublier. Le mode tuile permet de visualiser l’ensemble en un coup d’œil et d’intervertir facilement les parties de votre ouvrage. Vous pouvez également annoter et commenter votre texte directement sur l’éditeur de texte.

Parfaire son texte

Dans la version gratuite, vous disposez d’un dictionnaire de synonymes intégré, pour trouver le bon mot en un clin d’œil. Et grâce à l’abonnement Premium, tous les outils linguistiques sont disponibles en un seul endroit ! Correcteur, encyclopédie et détecteur de répétitions vous permettent de sublimer vos écrits et de rendre une copie sans fautes.

Stimuler sa créativité

Physique, caractère, évolution… Autant de caractéristiques auxquelles il faut penser lors de la création de vos personnages. Des fiches personnages gratuites et interactives vous attendent pour vous aider à développer la personnalité de vos protagonistes. Dans l’abonnement Premium, la carte mentale est d’une grande aide pour mettre en ordre toutes vos idées !

Entretenir sa motivation

Compteur de mots, temps passé à écrire, moyenne de mots écrits par jour… Suivez l’avancée de votre projet grâce aux statistiques d’écriture disponibles sur WriteControl et définissez des objectifs pour rester motivé·e jusqu’au point final.

Et ce n’est pas tout ! D’autres fonctionnalités sont disponibles, allant de l’export de votre manuscrit en fichier Word ou ePub à la personnalisation de votre espace d’écriture.

Un logiciel d’écriture utilisant l’intelligence artificielle

Depuis septembre 2023, les utilisateurs et utilisatrices Premium de WriteControl bénéficient de toutes nouvelles fonctionnalités intelligentes !

Les possibilités offertes par l’intelligence artificielle pour écrire un livre sont nombreuses. Non pas pour écrire à votre place, mais plutôt pour aider chaque auteur·rice à améliorer son roman grâce à des conseils et feedbacks personnalisés. L’intelligence artificielle peut faire office de premier bêta-lecteur et de coach littéraire. C’est en tout cas la principale utilité de l’assistant d’écriture de WriteControl.

D’autres outils ont été créés spécialement pour faciliter la vie des écrivain·e·s : le générateur de titres et de résumés de chapitres, la fonctionnalité « Alternatives » permettant de reformuler des phrases, ou encore la détection de l’importance des personnages dans un chapitre.

Mais ce n’est pas tout : un générateur d’images permet également de créer des images d’inspiration sur mesure pour ses personnages et les décors de son roman. La fonctionnalité « Thésaurus » permet, quant à elle, de trouver les mots justes : des rimes, des champs lexicaux, des métaphores et autres figures de style.

WriteControl, c’est aussi une application d’écriture Android

Les utilisateurs et utilisatrices disposent également d’une application d’écriture mobile disponible sur les appareils Android. Ils et elles peuvent maintenant écrire en toute ergonomie et rapidement sur leur Smartphone !

Leur manuscrit se synchronise directement avec la version de WriteControl pour ordinateur. Pour le moment, l’application est plutôt simple et minimaliste : on peut y créer la trame de son roman et accéder aux différents chapitres pour les écrire ou les réviser.

Les autres outils seront ajoutés au fur et à mesure sur l’application. Et si vous avez des retours ou des suggestions, n’hésitez pas à rejoindre le Discord de la communauté WriteControl. Toute l’équipe est à l’écoute de vos besoins et vous vient en aide en cas de pépin sur la plateforme et l’application.

À noter qu’il est possible également d’accéder au site (sans application) directement depuis le navigateur de n’importe quel Smartphone (y compris iOS) ou tablette. L’interface s’adapte au format mobile et il est alors possible d’utiliser toutes les fonctionnalités.

Nous vous invitons à découvrir WriteControl en vous rendant directement sur le site !

Écrire un roman feel good, c’est un peu la même chose. Nous souhaitons que nos lecteur·rice·s se sentent « tout bien, tout cosy » en nous lisant. Cela ne signifie pas que ce genre littéraire ne comprend pas son lot de rebondissements. 

Simplement, c’est une lecture qui doit nous laisser un sentiment joyeux. Un sentiment feel good. Et que nous nous accordons tout simplement pour nous procurer du bien-être.

Voyons dans cet article les 5 ingrédients pour écrire un roman feel good qui fera le bonheur de votre audience. Pour rédiger cet article, nous avons demandé à l’une de nos autrices, Anne-Estelle Dal Pont, de nous parler de l’écriture de son livre Des petits pas au-dehors, publié chez BoD début 2023. 

1. Un contexte contemporain sans complexité

Le premier ingrédient pour un roman feel good réussi, c’est de bien choisir le contexte dans lequel va se dérouler l’histoire. Même s’il n’existe pas de règles auxquelles il ne faudrait pas déroger, la plupart des récits de ce genre se situent dans notre réalité contemporaine. 

Les auteur·rice·s n’ajoutent ni intrigue fantastique, ni n’inventent de nouveaux mondes ou de nouvelles organisations. En effet, le but étant d’aider les lecteur·rice·s à se reconnaître dans les situations, les personnages évoluent dans notre monde.

Certains romans feel good ne se préoccupent même pas du contexte. Nous n’y trouvons ni ville, ni année inscrite à l’intérieur du récit. Ils décrivent simplement des lieux et des périodes qui pourraient se trouver partout dans notre société.

Nous vous conseillons alors de ne pas vous attarder de trop sur le contexte, si ce n’est d’écrire à notre époque. Pour autant, vous pouvez évoquer le passé de certains personnages, si c’est essentiel dans votre intrigue. 

Valérie Perrin, dans son livre Trois, remonte des années 80 à de nos jours par exemple. Une journaliste doit enquêter sur une épave retrouvée au fond d’un lac qui relie la vie de trois amis d’enfance. Et le récit va reprendre leur histoire à différents âges.

2. La psychologie des personnages et les émotions durant la lecture

Dans un roman feel good, l’intérêt de l’histoire ne repose pas sur la découverte d’un univers comme c’est le cas dans les romans de fantasy, mais sur la psychologie des personnages et ce qu’ils et elles vivent. Car un roman feel good, c’est avant tout un livre qui « fait ressentir » des émotions à ses lecteur·rice·s.

Et c’est toute la palette des émotions que nous sommes autorisé·e·s à utiliser tout au long de notre intrigue ; pas seulement les sentiments liés au bonheur ! Notre autrice Anne-Estelle Dal Pont le voit clairement avec la façon dont ses personnages se présentent à elle : « Ils traversent toujours un épisode difficile, sombre, douloureux […], et ensuite seulement, je leur souffle des idées pour leur montrer la sortie ». En ce sens, les personnages de nos romans feel good doivent se transformer entre le début de l’intrigue et la fin. Ils et elles doivent se libérer de l’élément perturbateur. Trouver une manière d’y faire face à l’intérieur de soi.

C’est probablement la recette qu’utilise également Virginie Grimaldi pour l’écriture de ses romans. À la quatrième position des auteur·rice·s français·e·s qui ont vendu le plus de livres en 2022, cette romancière nous propose toujours des romans à haute dose d’émotions. 

Ses personnages font généralement face à des situations que toute personne qui vit dans notre société contemporaine pourrait rencontrer. De l’abattement, de la joie, du découragement, de l’humour. Ils et elles traversent des montagnes russes qui nous rappellent tout simplement… la vraie vie. 

3. Une histoire traitant de thèmes universels

Comme nous le disions, les personnages sont fréquemment tiraillés par une épreuve à surmonter. Ils et elles doivent découvrir comment surpasser cette situation. Comment se montrer résilient·e. 

Nous avons interrogé Anne-Estelle Dal Pont sur sa façon de bâtir l’intrigue d’un roman feel good. Selon elle, « le plus simple, c’est de définir comme point de départ la crise que traverse le personnage principal. On part du problème pour remonter à la surface ».

Cette crise que traverse le personnage doit être universelle. Les lecteur·rice·s n’auront pas forcément vécu cette situation, mais ils et elles seront capables de comprendre ce qu’elle signifie et représente émotionnellement. En somme, les lecteur·rice·s vont s’identifier aux personnages et se dire que cette situation pourrait également leur arriver. Comment alors s’y prendre pour s’en sortir ? C’est ainsi que se crée le suspense et qu’ils/elles auront envie de connaître la suite de l’histoire.

Prenons pour exemple le livre emblématique de Raphaëlle Giordano, Ta deuxième vie commence quand tu comprends que tu n’en as qu’une, pour illustrer ce genre d’intrigue.

Dans cette histoire, le personnage principal est en crise dès le début. Sa voiture tombe en panne, et c’est la goutte d’eau qui fait déborder le vase. Nous comprenons assez vite qu’elle vit un épisode dépressif qu’elle ne parvient pas à comprendre, alors qu’elle a tout dans sa vie pour être heureuse.

Le personnage va vivre des péripéties qui vont lui permettre d’évoluer vers un état de quiétude. C’est ce schéma que vous pourriez suivre pour écrire pour votre roman feel good. 

Gardez bien en tête que la lecture doit être fluide et que votre personnage doit évoluer progressivement. Nous devons comprendre quels moments dans sa vie lui permettent d’avoir un déclic. Ce sont des situations concrètes et compréhensibles par tout le monde.

Par exemple, votre personnage est déprimé au début de l’histoire à cause de son divorce, et vit un enchaînement de situations désagréables. Quelqu’un le double à la caisse du supermarché. Il rate le dernier métro. La brique de lait est vide… Vous avez saisi.

4. Une chute heureuse et feel good

Nous aurions tendance à penser qu’un roman feel good rime forcément avec happy ending. Après tout, le but est de faire en sorte que les lecteur·rice·s se sentent bien. Mais faut-il pour autant forcément un prince et beaucoup d’enfants pour conclure notre récit ?

Anne-Estelle considère qu’une fin joyeuse n’a pas le même sens pour tout le monde. Elle nous explique que le plus important, c’est de laisser « une empreinte lumineuse » sur les lecteur·rice·s. 

Donc la véritable question serait plutôt : où est-ce que nous avons envie d’emmener nos lecteur·rice·s ? Quel est le message que nous souhaitons leur transmettre à travers notre livre ?

« Je crois que mes romans sont feel good parce que c’est ce qu’ils procurent à mes lecteurs », nous dit Anne-Estelle. En effet, c’est le message qui doit être positif et transmettre un sentiment de bien-être.

Dans Des petits pas au dehors, elle montre « qu’il n’est jamais trop tard pour s’ouvrir à soi et aux autres ». Un appel bienveillant à trouver une échappatoire positive dans une situation qui pourrait nous paraître désespérée. 

C’est l’idée de parvenir à se sentir bien. De pouvoir retrouver son plaid sur le canapé. Même lorsqu’il y a de l’orage dans l’air.

5. Une couverture légère et un titre inspirant

Enfin, pour donner à votre roman feel good toutes les chances de rencontrer le succès, vous allez devoir vous pencher sur son titre et sa couverture. Généralement pimpante, riche en couleurs, rayonnante et positive, cette dernière se repère très vite. 

Les couvertures de ces livres attirent franchement l’œil par leurs couleurs vives, multiples et positives. Elles sont très souvent composées d’illustrations digitales ou de photographies d’objets que nous retrouvons dans le titre (voir ci-dessous).

Nous vous conseillons donc de choisir une couverture qui saura plaire et capter le regard de votre lectorat. Tout en illustrant l’aspect positif qui se dégage de votre histoire. Ce peut être une péripétie, le message que vous souhaitez transmettre ou l’état émotionnel que le personnage parvient à atteindre.

Quant au titre, il n’existe pas de règle absolue en la matière, mais la plupart des romans feel good utilisent des titres plutôt longs et poétiques tels que : 

• Tout le bleu du ciel de Mélissa Da Costa
• Changer l’eau des fleurs de Valérie Perrin
• Dans le murmure des feuilles qui dansent d’Agnès Ledig

D’autres sont plus concrets et en rapport avec l’enseignement positif qu’ils transmettent, comme Va vers ta peur de Caroline De Surany ou Le jour où j’ai appris à vivre de Laurent Gounelle. 

Nos 5 ingrédients pour écrire un roman feel good

• Choisir un contexte contemporain et simple pour faire évoluer nos personnages
• Mettre l’accent sur les situations de la vraie vie et les émotions que vivent nos personnages
• Construire une intrigue autour d’une situation à surmonter
• Préparer une fin qui délivre un message positif 
• Réaliser une couverture colorée et joyeuse.

Vous souhaitez plus de conseils d’écriture ? Découvrez nos 15 astuces pour trouver le temps d’écrire.

Un grand merci à Anne-Estelle Dal Pont, notre autrice feel good, qui a accepté de répondre à nos questions. Vous pouvez retrouver son roman Des petits pas au-dehors sur la librairie BoD. Et suivre ses aventures sur Instagram et son site Internet.

Autrice

Caroline Ricciardi

Rédactrice web et graphiste en freelance, Caroline est passionnée par le monde du livre et de l’entrepreneuriat. Elle apprécie écrire des articles pour BoD et vous transmettre les informations qui vous donneront un petit coup de pouce pour progresser dans votre projet.

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1. Soyez concis·e

Contrairement au roman, la nouvelle ne se découpe pas en plusieurs chapitres ou parties : elle doit pouvoir se lire d’une traite. Pour notre concours de nouvelles (nous en parlons en fin d’article) par exemple, nous avons fixé la limite à 15 000 caractères. Oubliez donc les longues descriptions, allez droit au but ! Commencez votre nouvelle in medias res, c’est-à-dire directement au milieu de l’action, sans préambule.

2. Respectez l’unité d’action

Autrement dit, concentrez-vous sur une seule thématique, un seul événement : vous n’avez pas le temps de développer des intrigues secondaires dans une nouvelle. L’intrigue doit pouvoir se résumer en une phrase ! De même, les actions se déroulent généralement dans un temps assez court, c’est-à-dire que la nouvelle se focalise sur une scène ou les actions d’une seule journée, et non sur toute une année par exemple.

3. Privilégiez l’intrigue et/ou le style

Si un roman repose parfois davantage sur ses personnages très travaillés que sur son intrigue, il ne sert à rien de trop développer ses personnages dans une nouvelle. En effet, le texte étant court, la psychologie des personnages importe peu, car ceux-ci n’auront pas le temps d’évoluer. Bien souvent, le lecteur ou la lectrice n’a que peu d’informations sur les personnages de la nouvelle, seulement l’essentiel pour pouvoir comprendre l’histoire. Certains recueils de nouvelles ont des airs de galerie de personnages. Il s’agit là de personnages plutôt universels.

4. Écrivez sur des thématiques contemporaines

La nouvelle diffère du conte en ceci qu’elle s’inscrit dans l’époque contemporaine, et non dans un lointain passé. Bien souvent, l’histoire se déroule de nos jours, est empreinte du réalisme du quotidien. Certain·e·s auteur·rice·s optent d’ailleurs pour le présent de l’indicatif pour écrire leur récit. La nouvelle porte un regard nouveau sur notre monde d’aujourd’hui. Elle peut critiquer ses travers, en sublimer la beauté, ou bien simplement donner à le voir d’une autre manière.

5. Soignez la fin

David Lodge, dans L’Art de la fiction, explique : « La nouvelle est essentiellement tournée vers sa fin, ne serait-ce que parce qu’on commence une nouvelle en s’attendant à arriver vite à sa conclusion. […] Nous avons tendance à lire une nouvelle d’un seul coup, comme attirés par la puissance magnétique de sa conclusion anticipée. »

Les nouvelles sont souvent appréciées pour leur chute, même si certaines n’en comportent pas forcément. Il s’agit d’un retournement de situation qui surprend les lecteur·rice·s. Angelo Rimaldi déclare : « La nouvelle doit donner en profondeur ce que le roman donne en longueur. » Autrement dit, il s’agit de montrer brièvement pour faire réfléchir longuement. La fin d’une nouvelle peut par exemple être ouverte pour laisser le loisir à ses lecteur·rice·s d’y voir plusieurs interprétations.

Quelques recueils à lire pour apprendre à écrire une nouvelle

Dino Buzzati, Le K

Devenu un classique du XX^e siècle, Le K est un recueil de nouvelles fantastiques. On y trouve notamment des nouvelles à chute.

Anna Gavalda, Je voudrais que quelqu’un m’attende quelque part

Il se passe peu de choses dans les nouvelles d’Anna Gavalda, pas d’événement exceptionnel, de rebondissement inattendu, rien que le cours ordinaire de la vie et c’est ce qui en fait le charme. C’est idéal pour s’inspirer quand on souhaite écrire une nouvelle contemporaine, une tranche de vie.

Bernard Werber, L’Arbre des possibles

La science-fiction est à l’honneur dans ce recueil de nouvelles toutes plus originales et créatives les unes que les autres. Une référence pour apprendre à écrire une nouvelle de SF.

Franz Bartelt, Le Bar des habitudes

Des nouvelles absurdes et grinçantes, dont le style a valu au recueil de remporter le prix Goncourt de la nouvelle 2006. Un exemple parfait d’auteur sachant exceller dans l’art de la nouvelle et de la fiction courte.

Stephen King, Tout est fatal

Le maître incontesté de l’horreur nous livre ici une quinzaine de nouvelles qui ne manquent pas de nous donner le frisson. Si vous souhaitez écrire une nouvelle d’horreur, vous devriez le lire !

Roald Dahl, Kiss kiss

Le livre a remporté le « Prix Edgar-Allan-Poe de la meilleure nouvelle » en 1960. Il explore, au travers de 11 nouvelles fantastiques, le côté sombre de la nature humaine. Ce recueil est devenu également une référence en matière d’écriture de nouvelles.

Eric-Emmanuel Schmitt, Concerto à la mémoire d’un ange

Les 4 histoires de ce recueil (Goncourt de la nouvelle 2010) creusent la question : sommes-nous libres ou subissons-nous un destin ? Elles sont suivies du journal tenu par l’auteur durant l’écriture, ce qui est une mine d’informations pour les personnes qui aiment écrire. Eric-Emmanuel Schmitt écrit des romans et des recueils de nouvelles qui donnent à réfléchir. Pour vous inspirer et écrire une nouvelle philosophique, vous savez ce qu’il vous reste à faire ! Et si vous souhaitez écrire un recueil de nouvelles, c’est également un bon exemple. Il est en effet conseillé que toutes vos nouvelles aient un fil rouge thématique, comme c’est le cas dans ce livre.

3 recueils de nouvelles à découvrir sur la librairie BoD

Vous auriez envie de lire une nouvelle réussie dans laquelle ces conseils sont appliqués ? Nous vous recommandons la lecture des recueils de nouvelles listés en encadré, mais vous pouvez découvrir ici un exemple de nouvelle à chute : La Parure de Maupassant.

Pour progresser, envisagez de participer à des concours d’écriture et notamment des concours de nouvelles. Pourquoi vous devriez participer à un concours d’écriture ? Nous avons dédié un article à ce sujet !

Si vous vous lancez, n’oubliez pas le Prix de la Nouvelle BoD, organisé tous les étés en collaboration avec le magazine Femme Actuelle Jeux Géant.